Сложная натура

"Тэсс из рода д’Эрбервиллей: чистая женщина, правдиво изображённая" -роман Томаса Харди , впервые опубликованный в 1891 году. Изначально появился в подвергшейся сильной цензуре и сериализированной версии, опубликованной британской иллюстрированной газетой The Graphic.

Несмотря на читательский успех, книга вызвала немало нареканий у блюстителей викторианской нравственности. Писатель открыто обозначил свое отношение к героине («чистая женщина») и с большим сочувствием рассказал историю пылкой, самоотверженной, но простодушной девушки из бедной семьи, которая становится жертвой богатого повесы-соблазнителя.

Произведение, написанное в конце 19 века, являет собой многогранный, глубокий текст, который можно воспринимать только на уровне сюжета, а можно и открывать в нем более сложный подтекстовый и символический пласт.

При обзоре экранизаций я обращусь в первую очередь к тому, что на поверхности, а то есть развитию действия. Касаться символов дело опасное, так как эта область неоднозначна. Кто заинтересуется этим вопросом, то поверьте, работ написано достаточно. А я приступаю к первому фильму.

До фильма 1979 года были сняты две немые версии, первая из которых была утеряна. Так что фильм, созданный известным режиссером Романом Полански («Пианист», «Макбет»), можно сказать, явился прорывом в экранизации данного произведения.

Фильм Полански посвятил своей жене, актрисе Шерон Тейт, убитой в 1969 г. бандой маньяка Чарльза Мэнсона. Перед смертью Шерон вручила мужу томик романа Харди, сказав ему, что из этой книги получится отличный фильм.

Длящийся три часа, кинофильм до конца держит изначальный неспешный ритм, который присущ и роману Харди.
Приметила я, что фильм открывается затяжными титрами, что, кстати, мне не понравилось. Очень редко является удачной идеей помещать титры в начало. Если они красочные — то да, смысл имеет, а если нет, то и зачем. Я почувствовала сразу напряжение, будто создатели хвастаются проделанной работой еще до того, как предъявили ее зрителю.

Авторский рассказ в фильме отсутствует, что создало некоторые трудности в восприятии. Произведение написано от лица автора, соответственно все важное проговаривается именно им, поэтому при отсутствии авторской речи становится сложнее понимать героев.

Тэсс сыграла воистину девушка необыкновенной красоты Настасья Кински («Крестная мать», «Униженные и оскорбленные»). Но я не присоединюсь к всеобщему восхищению, потому что игра мне ее не понравилась. До определённого момента мне все нравилось, пока я не поняла, что ее героиня застыла в каком-то одном пассивном состоянии. Кински красиво приоткрывала губки, что в начале, что в конце. Но сказать, что она поняла и прочувствовала свою героиню, можно с трудом. На протяжении всего фильма подчёркивается пассивность героини, что вызывает возражения со стороны специалистов по творчеству Харди.

В процессе съёмок режиссер успел так увлечь собой 16-летнюю (на тот момент) немку Настасью Кински, что об их бурном романе не писали в ту пору только совсем уж нерадивые таблоиды. Тэсс сразу превратила Кински в новый «инфантильный секс-символ» — непредсказуемый, чувственный и желанный. Ничем большим она не стала и для меня.

Кстати, именно этот фильм начал тенденцию к тому, чтобы показывать все, что аккуратно прикрыл Харди. В итоге сцена «падения» героини хоть и была прикрыта туманом, но показала достаточно, чтобы возмутиться. Когда я читала книгу, Тэсс была действительно жертвой, а здесь я бы с уверенностью сказала, что Тэсс сама виновата.

Вообще фильм балансирует на грани тонкой эротичности и полной физиологии.

Помимо однобокости героини, я бы сказала, что мужские персонажи тоже раскрыты не со всех сторон, это может касаться, например, «соблазнителя», чья история отображена не полностью.

Фильм Поланского довольно точно следует сюжету романа. Однако взгляд режиссёра на человеческую природу пессимистичнее взгляда писателя. Поланскому чужда вера Харди в предопределение и силу рока. Трагическая судьба Тэсс представлена им как дело рук человеческих. Хотя в книге тоже есть зачатки такой мысли, ведь автор не раз говорил о том, что если бы тот или иной герой принял другое решение, все бы могло измениться.

Фильм был удостоен «Оскара» за образцовую операторскую работу. Оператор Джеффри Ансуорт («Космическая одиссея 2001 года») скоропостижно скончался, когда съёмки были в самом разгаре. Фильм доснял Гислен Клоке, и специалисты указывают на некоторую неоднородность сцен, над которыми работали разные операторы.

Суммируя все вышесказанное, хоть и немного в сумбурной манере, могу сказать, что фильм получился красивый, эстетичный, довольно личный для режиссера, однако взявший текст романа лишь за основу, костяк, с которого было снято много мяса, которое имело значения. В итоге фильм подойдет любителям Романа Полански, но не любителям Харди, по моему мнению.

Мини-сериал, снятый в 1998 году, мог не попасть в этот обзор, так как на его поиски я потратила много времени. Доступен он оказался лишь в оригинале и с субтитрами, и я решилась посмотреть его в последнем варианте, и не пожалела. Как минимум это была практика языка, как максимум можно было намного лучше понять героев.

С самого начала фильма меня приветствовал авторский голос, что тут же меня порадовало.

И далее я находила очень много плюсов у этой киноленты. Под руководством режиссера Йена Шарпа («Робин из Шервуда») съемочная команда очень внимательно отнеслась к тексту книги, следовала за ним, но не боялась аккуратно расширять историю, добавлять небольшие моменты, которые делали ее более полной. Символика в фильме была легко читаема, более понятна любому зрителю. Также я отметила большое внимание к обстановке, деталям быта, все воссоздано очень натурально, естественно, без лишних приукрашиваний.

Кстати, следуя общей тенденции, момент «падения» вновь показан, и снова можно сказать, что Тэсс действительно хоть и в меньшей степени, чем в предыдущем фильме, но виновата сама, из-за своей наивности. Однако я бы сказала, что здесь это показано более поучающе что ли, потому героиня в фильме многое будет сама анализировать.

В этом фильме Тэсс отличается от книжной героини уже в другую сторону. Актриса Джастин Уоддэлл («Дракула 2000», «Большие надежды») сделала ее более живой, даже порой дерзкой и бойкой, иногда с претензией и вызовом. Такая Тэсс, как у нее, могла бы добиться многого, если бы ее не сковывали рамки сюжета.

В общем и целом за три часа экранного времени чувства настолько накалились, что финал вызвал должный эмоциональный всплеск. Я увидела, как героиня менялась, сопереживала ей. Все актеры выложились и отыграли все на высоте. Я им поверила, и действительно наслаждалась просмотром этого фильма.

А теперь перейду к сериалу, снятому моим любимым BBC под руководством режиссера Дэвида Блэра («Анна Каренина»). В нем 4 серии по часу, которые все заканчиваются очень логично, и их действительно можно смотреть с перерывами, что я не могу сказать о предыдущем сериале.

Одним из преимуществ этой экранизации является ее подробность. Этот вариант оказался самым приближенным к книге. Еще одно неоспоримое достоинство данного фильма — прекрасно переданная атмосфера старой Англии со всеми ее социальными противоречиями. Живописные ландшафты, костюмы, народные песни и танцы завершают общую картину.

Однако часто ловила себя на мысли, что создатели сериала будто очень внимательно посмотрели предыдущие варианты и набрались через них должного опыта, чтобы выдать хорошую картину.

В какой-то момент я поняла, что абсолютно отключилась от книги и что смотрю этот кинофильм как нечто абсолютно обособленное. Причем я не смола разгадать загадку, за счет чего произошел такой эффект, ведь, как я и сказала, все подано очень близко к тексту.

Кстати, это единственный раз, когда мне понравилось раскрытие момента «падения». Наконец героиня стала самой собой. Однако актрису я похвалить не могу. Тэсс сыграла Джемма Артертон («Битва титанов», «Охотники на ведьм» ). Актриса старалась, конечно, но на прекрасном ангельском личике было слишком мало сильных эмоций и характера. Получилось так, что все внутренние переживания героини были переданы не самой актрисой, а скорее атмосферными и тягучими кадрами окружающей обстановки.

Кстати, это единственный фильм, где я абсолютно не согласна с кастингом на главную мужскую роль Энджела, которую сыграл Эдди Редмэйн («Отверженные», Вселенная Стивена Хокинга»). Это просто не его роль, он вроде и внешностью не совсем вписывается, и своей манерой игры, слишком я бы сказала чувственной.

Зато не могу пройти мимо актера, сыгравшего соблазнителя, Ганса Метисона («Доктор Живаго»). Было видно, что в каждую фразу, в каждый шаг он вложил душу. Именно ему удалось раскрыть полнее всего своего персонажа.

Каков итог: именно создатели фильма, не актеры, в содружестве с текстом писателя показали в полной мере эту историю. Это единственный фильм, где я лила слезы в конце, что для меня очень много значит. Не отступая от оригинала, фильм поэтому и смог все смыслы передать в верном ключе. Хотя, конечно, и в этом случае нет предела совершенству.

Я припасла на сладкое современную адаптацию романа под названием «Красавица из трущоб». Повествование фильма основывается на романе Харди, но перенесено в современную Индию. Это уже не первая попытка перенести место действия, однако, в этот раз режиссер из Англии — Майкл Уинтерботтом («Убийца внутри меня»).

Скажу вам честно, несмотря на активный упор на связь с книгой со стороны создателей, фильм очень далек от произведения Харди. Я бы сказала, что, возможно, он вдохновлен этой книгой, но абсолютно не считаю, что его можно назвать адаптацией, а где-то даже пишут, что это экранизация, и это вводит в заблуждение.

Фильм очень яркий, колоритный, красочный. Через него можно постичь Индию, и это главный его плюс. Снят он ближе к манере арт-хауса, очень мало диалогов, много дальних планов, детализированность. Главную героини сыграла Фрида Пинто («Миллионер из трущоб»), девушка, безусловно, глубокая, думающая над тем, что она играет, вжившаяся в роль.

Но таить не буду, фильм мне не понравился, даже вызвал сильное отрицание сразу после просмотра. Я его просто не поняла. Было много вещей, которые вообще никак не комментировались, и ты, зритель, остаешься с какими-то догадками, своими мыслями.

Сначала показалось, будто это некая перезагрузка для Тэсс, будто история будет счастливой. Но потом она оборачивается более жестокой стороной, Тэсс была гордой и независимой и прогнулась лишь под жесткими обстоятельствами ради родных, здесь героиня сама себя заперла в ловушку своих чувств, сама пошла на то, чтобы стать вещью, не опираясь на какие-то видимые обстоятельства. Может, это опять же подразумевалось за кадром, но я увидела это так.

И я абсолютно не поняла героиню как женщину, мотивировку ее поступков и о чем хотел сказать режиссер. То ли это различия культурные, то ли это я в тормозном состоянии смотрела, но я была даже в разочаровании после просмотра.

Что ж, наконец, можно и сделать небольшие выводы по всему вышесказанному. Роман Харди оказался сложным для переложения его на экран. Многим удалось следовать за сюжетом, выдать красивую картинку и историю, но для меня лично самым выпадающим оказался на удивление фильм знаменитого режиссера. Однако хочется отметить, что, по моему мнению, ни одному фильму не удалось показать ту Тэсс, которую мы увидели в книге. А это наталкивает на простую мысль: нужно в первую очередь читать первоисточник, от этого зависит успех восприятия любой экранизации.

Двойное дно

"Старик и море" — повесть американского писателя Эрнеста Хемингуэя , являющаяся последним известным художественным произведением Хемингуэя, опубликованным при его жизни. Рассказывает историю старика Сантьяго, кубинского рыбака о его борьбе в открытом море с гигантским марлином, который стал самой большой добычей в его жизни.

Сам Эрнест Хемингуэй про свое произведение писал: «Ни одна хорошая книга никогда не была написана так, чтобы символы в ней были придуманы заранее и вставлены в неё… Я старался создать реального старика, реального мальчика, реальное море, реальную рыбу и реальных акул. Но если я сделал их достаточно хорошо и достаточно правдиво, они могут значить многое».

Многие впоследствии приписывали образам в повести множество символических смыслов, поэтому я считаю важным опираться на высказывания самого автора. В первую очередь это реальная история одного реального человека.

Наличие же подтекста, второго смыслового пласта, зависит уже от читателя, его представления и понимания образов. А создатели фильма это ведь тоже читатели, так посмотрим, что же каждый из них увидел в этой истории.

Первая экранизация этого великого произведения вышла в 1958 году. Над фильмом трудились несколько режиссеров, и какова доля вклада каждого — остается загадкой, однако двух из них исключили из титров.

Сразу начну с первых ощущений: картина открывается мелодией, чей мотив мне кажется услышанным уже много-много раз в множестве американских фильмов. Удивительным для меня открытием будет потом факт, что кинолента получила Оскар именно за саундтрек. Именно он, как мне показалось, создавал излишне героический налет.

Картинка в фильме очень яркая, атмосферная. Морской антураж создан хорошо, хотя тот факт, что съемки самого моря и съемки с актером явно проводились раздельно, а потом накладывались друг на друга, подпортил впечатления. Несомненно, я делаю скидку на возможности того времени, но моя цель найти лучшую экранизацию для нас – современных людей. Поэтому это еще один небольшой недочет.

В главной роли играл Спенсер Трэйси («Нюрнбергский процесс»), на тот момент очень приметная фигура в кино. Он, кстати, чем-то походит на самого Хемингуэя. Игра его была довольно ровной, в принципе, он смог передать характер персонажа, однако мне показалось, что актер не выложился на все сто. Местами он просто не дотягивал эмоциями, иногда я переставала ему верить.

Что касается содержательной стороны, то создатели фильма очень четко шли по сюжету, ничего не упустили, расставили нужные акценты. Меня в этот раз поразило другое: озвучка фильма смогла повлиять на восприятие его смысловой нагрузки в целом. Тот, кто озвучивал рассказчика и Старика, явно имел проблемы с интонированием и расстановкой акцентов на нужных словах. В итоге некоторые фразы звучали совсем иначе, чем в оригинале, что влияло на восприятие и понимание задумки и автора, и создателей.

В киноленте очень хорошо отразились бытовые подробности и детали рыболовного дела. К этому моменту создатели фильма отнеслись с вниманием, было много крупных планов, обращенных именно к процессу рыбной ловли. Или, например, в фильме присутствуют реальные, не постановочные сцены с выпрыгиванием рыбы из воды.

В целом весь фильм как бы балансировал на грани правдоподобности и бутафории. Сам же Хемингуэй отозвался о киноленте не очень лицеприятно, он, увидев картину, проворчал, что фильм выглядел как работа «богатого, жирного актера».

Чуть больше мне понравилась ТВ версия, вышедшая в 1990 году. Однако есть большое НО. Она мне понравилась лишь как самостоятельное, абсолютно оторванное от повести творение.

В этой киноленте очень много придуманного, добавленного и отвлеченного от главной темы. Самым неожиданным является появление в этой истории самого писателя и сопутствующей истории про его творческий кризис и сложные отношения с женой. Это интересно, но абсолютно инородно в этой истории. Также была расширена линия жизни Старика: добавлены биографические подробности, усилена его связь с его семьей, тут появилась его дочь. Только эти подробности не раскрыли в данном случае персонажа глубже, а исказили его сущность.

Старик, которого играет Энтони Куинн («Геракл и амазонки», «Сказочное приключение Марко Поло»), получился здесь даже отрицательным персонажем, как раз за счет введения линии с дочерью. Герой в фильме был агрессивным, излишне упертым, гордым в отрицательном смысле. Я считаю, что это неудачное воплощение этого образа.

Фильм во многом агрессивен, порой я даже удивлялась, откуда режиссер достает это, ведь в книге абсолютно нет никакой злости. А тут и жители в городе какие-то злые. В общем, расширяя историю, создатели потеряли саму ее суть.

Но я все же сказала, что кинофильм мне понравился. Наверное, в большей степени благодаря натурным съемкам, которые были очень красочными и красивыми. А еще благодаря тому, что иногда я все-таки отключалась от текста произведения, и фильм мне казался очень трогательным. Если бы это был самостоятельный проект, например, повествующий о Хемингуэе и о том, как он черпал вдохновение для своих произведений, то, наверное, у меня было бы намного больше положительных эмоций.

И вот в 1999 году выходит шедевр длиной в 21 минуту в формате мультипликационного фильма. Создал его талантливый художник Александр Петров («Русалка», «Моя любовь»). Он два с половиной года работал в Монреале (Канада). Там он и создал по повести Эрнеста Хемингуэя картину «Старик и море». Характерной особенностью творчества мультипликатора является техника «ожившей живописи», причём рисует он на стекле масляными красками, и не только кистью, но и пальцами. Петров со своим сыном для того, чтобы снять этот мультфильм, нарисовали около десятков тысяч рисунков в течение нескольких лет.

Несмотря на то, что герои были нарисованы, они сразу проникли в душу, почти с первых минут у меня на глазах выступили слезы. Мои эмоции совершали невероятные кульбиты. Мне кажется, я никогда не видела ничего подобного.

Фильму присущи минимализм и сдержанность, но при этом картинка очень многооттеночная, выполненная в мягких акварельных тонах, радующая глаз. Одно разнообразие картин моря чего стоит! Несомненно, Петров большой талант, он вложил в эту работу всего себя. Он добивается самого сногсшибательного эффекта в том, что его мультипликационный человек зрим и чувствуем, как актёр в игровом кино.

Он прочувствовал повесть, он понял ее, и оказалось, что для ее отображения на экране не нужно делать геройское кино, какими казались предыдущие варианты. Должно быть лишь Море, Старик и Рыба. Ничего больше и не нужно, в этой истории важно, чтобы подтекст оставался подтекстом, а не выплывал наружу с неприятной очевидностью.

В 2000 году «Старик и море», ставший первым в истории анимационным фильмом для кинотеатров большого формата IMAX, был удостоен премии Американской киноакадемии «Оскар».

На эту красоту хотелось смотреть и смотреть, однако трудоемкость работы вынудила сжать некоторые моменты в море, и, к сожалению, у меня осталось зудящее желание чуть-чуть растянуть историю. Еще хотя бы на 10 минуточек. Но я отдаю дань уважения такой талантливо сделанной работе, и то, что было сделано с таким трудом и вниманием, заслуживает благодарности и восхищения.

Итак, оказалось, что повесть «Старик и море» настолько глубока, и в то же время настолько проста, что экранизировать ее удачно без ухода в героику или без излишней прямоты очень сложно. Лучшей, как мне кажется, формой оказался как раз вариант мультипликации, создающий тонкую грань между правдой и мифичностью этой истории.

Но стиль Хемингуэя и всю глубину смысла этой повести нельзя прочувствовать, не прикоснувшись к тексту, поэтому в первую очередь читайте, в этом заложен успех восприятия любой экранизации.

Дух «Эпохи Джаза»

"Великий Гэтсби" — роман американского писателя Фрэнсиса Скотта Фицджеральда. В американской литературе является типичным представителем так называемого «Века Джаза».

В 1920-е годы вслед за хаосом Первой мировой американское общество вступило в беспрецедентную полосу процветания: в «ревущие двадцатые» экономика США стремительно развивалась. В то же время «сухой закон» сделал многих бутлегеров миллионерами и дал значительный толчок развитию организованной преступности. Восхищаясь богатыми и их очарованием, Фицджеральд в то же время подвергает сомнению неограниченный материализм и кризис морали Америки той эпохи.

Было бы честно признаться, что моя история с экранизациями этой книги немного запутана. Сначала мной был просмотрен фильм 2013 года без чтения произведения. Фильм мне тогда абсолютно не понравился, но об этом позже. Теперь, прочитав книгу, я тут же ринулась пересматривать этот фильм, поэтому смотрела три доступные экранизации, так сказать, уходя «вглубь веков». Но рассказывать о своих впечатлениях все-таки буду в хронологическом порядке, но иногда буду делать несколько полушагов вперед.

Итак, фильм 1974 года. Я думаю, что когда он вышел на экраны, произвел некое подобие взрыва: не зря у него два Оскара (за костюм и за музыку).

Но у меня он вызвал очень двоякое ощущение, я до сих пор не могу определиться, больше негатива у меня в оценке или позитива.

В качестве сценариста был приглашён еще молодой Фрэнсис Форд Коппола, имя которого тогда прогремело на весь мир благодаря ленте «Крёстный отец». И, конечно, внимательность к тексту сразу заметна. Однако выпуск важных деталей все-таки был. Самым главным разочарованием было все-таки отсутствие коронной финальной фразы, которая ну просто должна звучать в экранизации этого произведения. Но с другой стороны, были добавлены яркие и очень, как оказалось, нужные эпизоды, которые раскрыли произведение глубже, где-то устранили пробелы и недосказанности автора.

Режиссёром картины являлся Джек Клейтон («Место наверху», «Путь в высшее общество»). Удивительно, что в одной очень серьезной рецензии я прочла, что он снял совсем не сентиментально это историю. И вот тут я абсолютно не согласна с этим мнением. Мне показалось, что из всех трех вариантов это была самая романтизированная, сладкая подача этой истории. Я совсем не собираюсь записывать это в минусы, но это было совсем не в струе произведения.

В картине много ляпов, некоторые почти незаметны, другие же прямо бросаются в глаза. Считаю, это тоже косяк режиссера. С другой стороны, с особой тщательностью продумана вся визуальная сторона, костюмы действительно выглядят по моде и органичны. Расставлены визуальные акценты. Также и музыкальное сопровождение ничем не выбивается из ряда, звучит как настоящая музыка 20-х.

Вообще естественность очень бросилась в глаза: это единственный фильм, где герои реально потеют, как настоящие люди. Я просто не могла оторваться от этой детали. Сначала меня это приятно удивило, я оценила, что все как в жизни, но к половине фильма потные лица начали меня смущать. Все-таки кино – это не жизнь. Может, не стоило в таком случае делать так много крупных планов, раз вы не могли справиться с этим моментом.

Но все это мелочи. Самой большой претензией у меня является вопрос актерской игры. Вот кто, по моему мнению, действительно разрушает всю картинку.

Гэтсби играет Роберт Редфорд («Из Африки», «Незаконченная жизнь»), а Дейзи Миа Фэрроу («Ребенок Розмари», «Артур и Минипуты»).

Дейзи получилась крикливая, громкая, противная, в общем. Мне показалось, что ей дали слишком много места в фильме. Для меня Дейзи в книге как вещь, ее почти нет в романе. Она все время чужими глазами, ее кто-то берет, потом переставляет. Она что-то говорит, но эти фразы тут же тонут в небытии. Здесь Дейзи слишком активная.

Еще хуже дело обстоит с воплощением Гэтсби. Считаю, что Гэтсби предстал здесь просто героем-любовником. Скорее он стал вещью для Дейзи. Он в фильме почти незаметен, никакого впечатления после себя не оставил. Уж тем более, нечего говорить о том, чтобы здесь его можно было назвать Великим.

Чуть-чуть для меня блеснул рассказчик Ник, были в игре Сэма Уотерстона («Исчезнувшие цивилизации») некие ироничные нотки, присущие герою романа. Но линия дружбы с Гэтсби провалена. Когда приближается финал, и все, кто читали, знают, что происходит, для меня в этом фильме это не является логичным исходом. Потому что Гэтсби здесь и в этих отношениях потерялся.

Были провалы и с образом Тома… Итог таков, что мне кажется, актеры не прочувствовали свои роли. И, возможно, это вообще были роли не для них. Учитывая известные проблемы со сменой кастинга, я думаю, актерский состав был скомплектован неудачно для этого фильма. И именно это очень сильно перетягивает в этом случае чашу весов в негативную сторону.

ТВ-версии экранизаций это всегда лотерея, на которой можно-таки заполучить удачный билетик. Но в случае с фильмом 2000 года это скорее просто хороший середнячок.

У версии, предназначенной только для телеэкранов, ограниченный хронометраж. Это ставит создателям фильма рамки, и иногда они с ними не справляются.

В данном случае используется распространённый прием: что-то непонятное в начале, затем разматываем клубок и приходим к тому же эпизоду, уже понимая, в чем была соль. Никакой загадки режиссер Роберт Марковиц («Призрак оперы») особо не оставляет в фильме. Даже образ Гэтсби с легкой руки флешбеками стремительно раскрывается уже на первой четверти фильма.

В антураже, костюмах и музыке все сдержанно. Считаю, что с модой вообще не попали, не понимаю, почему такое упущение. Возможно, бюджет, но простенькие платья на девушках вызывали недоумение. Хотя скажу, что после фильма 2013 года мой глаз радовался отсутствию компьютерных технологий, здесь естественность была на руку режиссеру.

В этом варианте получилась очень книжная Дейзи в исполнении Миры Сорвино («Великая Афродита»). Вот тут она как раз пустая, абсолютно безынициативная, просто красивая и влюбленная в одно мгновение.

Все остальные актеры приятны на вид, играют нормально, не скажу, что прям все попадают в десятку с моими личными книжными представлениями, но несут себя достойно.

Но я снова не смогла принять Гэтсби, теперь уже в исполнении Тоби Стивенсона («Онегин», «Умри, но не сейчас»). Тут мне вообще было неприятно смотреть на героя. Его улыбочка даже близко не могла стоять рядом с той книжной теплой дружеской улыбкой. Здесь герой отталкивает от себя, он как-то резок. Вообще наводит на мысли о франте, денди, просто соблазнителе. Далек от Гэтсби абсолютно, даже не могла его воспринимать как этого героя.

Но в целом фильм нормальный, ведь все-таки впечатления об актере очень субъективны. Для фильма, предназначенного только для телеэкранов, это хорошая работа. И главное, в конце расставлены все акценты правильно.

И вот настало время почти уже легендарного наравне с книгой (лично мое мнение!) фильма 2013 года. Эту экранизацию все еще обсуждают, и люди продолжают делиться на лагеря за и против. Я уже осознаю, что эта рецензия проникнута моим нейтралитетом, с ноткой критики. Этот фильм также для меня открыл много своих плюсов, но и минусы я отметила.

Напомню, что фильм был просмотрен еще до прочтения. Тогда он был мной воспринят очень однобоко: да, куча знаменитых актеров, да, красиво, но как-то непонятно и даже пустовато. И вот на собственном примере доказала свой извечный тезис: книга всегда должна быть прочитана прежде просмотра экранизации. История развернулась ко мне совершенно другим лицом, все встало на свои места.

Режиссером этой картины стал известный Баз Лурман («Австралия», «Мулен Руж»), умеющий создать картинку, от которой дух будет захватывать. И он воплотил себя и свой стиль в фильме на все сто процентов. Все очень ярко, пышно, дорого, экстравагантно, стильно. В общем, сама картинка это просто услада для глаз. Но все-таки крадется в мое сознание НО. Не могу поверить, что все в то время были настолько роскошны. Это скорее такая история с некоторым сказочным преувеличением. Да, это красиво, но неправдоподобно.

Однако все-таки хочется отметить, что книга не пестрит большими подробными описаниями, поэтому режиссер заполняет это пространство своей фантазией. И это действенно для современного зрителя, который большинство информации воспринимает зрительно. Видно, что проделана большая работа над общей картинкой, над контрастами, над цветовыми решениями.

У многих вызвало смущение музыкальное сопровождение: якобы, зачем добавлять реп и очевидно современную обработку. Мне же ход этот импонирует, я думаю, это освежило фильм и добавило еще одну изюминку ему. Музыка помогала прочувствовать ритм жизни того времени, ее было много, но она не перегружала и не тянула на себя одеяло.

С сюжетным планом тоже обратились интересно. Книга оживала на экране, привнесенных извне вещей почти не было, кроме, наверное, линии с рассказчиком. Кстати, заметное сближение рассказчика с автором мне не очень понравилось. Возможно, это и оправданно в какой-то степени, но все же это опасный путь.

Зато я отметила и отвесила поклон тому, что создатели обратили внимание на исторический комментарий. То, что в книге могло не объясняться нам, не всем знакомым подробно с историей того периода, четко расшифровывалось.

Леонардо ДиКаприо («Титаник», «Начало») оказался именно тем Гэтсби, которого я увидела на страницах книги. Его улыбка оказалась той самой!

Расписывать же всех актеров нет смысла, я считаю, что все отыграли свои образы прекрасно, все попали в настроение. Я восхищена проделанной работой над вживанием в образ всех актёров, даже не игравших главные роли.

В итоге, кроме может быть некоторого излишества в этой картине, я осталась всем довольна. Из всех трех я нахожу эту экранизацию лучшей. Считаю, что и к книге она была ближе всего.

А я на своем примере доказала: фильм не заиграет нужными красками, если не прочесть книгу. И в первую очередь в экранизации нужно отталкиваться от образа книжного героя. Если образ не наложился, то все остальное в фильме не будет уже смотреться выигрышным. Поэтому самое главное сначала познакомиться с произведением, а потом уже смотреть экранизацию. В этом заложен успех ее восприятия.

Драматургия: читать или смотреть?

В этот раз захотелось не просто написать обзор экранизаций, но провести некий эксперимент и обратиться к проблемному вопросу, через который можно будет лучше узнать и себя, и других читающих людей. Такой проблемой стал вопрос о восприятии драматургического текста. Еще со школьной скамьи я с большим трудом и неохотой касалась пьес. Не скажу, что у меня проблемы с воображением, но оно резко выключалось, как только я видела текст, деленный на реплики. Для меня пьесы, как произведения, подобны разговору с человеком, чьего лица я не могу увидеть. Мучительно я вслушиваюсь в речь, но в душу проникнуть не могу. Эта проблема не исчезла с возрастом, и пьесы, теперь уже появляющиеся в университетской программе, вызывают у меня такое же отторжение. Однако я очень люблю театр, когда я попадаю туда, у меня не перестают бегать по телу мурашки, я окунаюсь в действо с головой и верю, что я часть этой истории. И тут у меня возник вопрос: а нужно ли вообще читать пьесы? Ведь мы не читаем сценарии к фильмам, так не может быть так, что драматургия должна быть именно показана, разыграна, а не просто сухо написана и прочитана.

Что ж, чтобы подкрепить свои размышления и проверить свое суждение, я решила обратиться к сразу двум драматическим произведениям. Первое – «Кукольный дом» Генрика Ибсена, центральной темой которого является положение женщины в обществе. Однако проблематика «Кукольного дома» не исчерпывается «женским вопросом»: речь идет о свободе человеческой личности вообще. Это история показывает нам, как иногда добро может быть закабалено законами, и как человек может оказаться в жестких рамках условности и потерять себя.

Второе – «Дом, где разбиваются сердца», пьеса ирландского драматурга Бернарда Шоу с подзаголовком «Фантазия в русском стиле на английские темы». Бернард Шоу в своей пьесе показал английское общество периода Первой Мировой войны. Главные черты характера этого общества: безразличие и невежество высшего и среднего классов. Формально благополучное общество просто-напросто разлагается изнутри, разлагается морально.

Оба этих автора творили на рубеже двадцатого века, театр в это время менялся, вслед за Чеховым авторы вносили в свои произведения подтекст и символику.

Чтобы увидеть воочию пьесы, к сожалению, нет возможности сходить в театр. Поэтому нам предстоит увидеть их воплощение либо в кинофильме, либо в телеспектакле.

Начну с кинофильма по первой пьесе, выпущенного в 1973 году в Великобритании.

Сохраняя сюжетную канву, режиссер сумел поиграть с текстом и привнести что-то новое. Он вышел за рамки пространства, указанного в тексте, тем самым раскрыл одного из героев, который казался неким «злодеем» в пьесе. Плюс появился контраст, который так же углубил текст: героиня действительно точно кукла в домике, за пределами которого идет жизнь, но она в ней лишь пассивно участвует.

Вообще героиня, которую играет Клэр Блум («Царь Эдип», «Битва титанов»), становится понятнее, ее жизнь раскрывается полнее. Однако фильм не смог передать эволюции героини, она одним резким скачком уже прыгает в свое финальное состояние, тогда как по ходу текста пьесы мы отмечаем ее внутренние изменения и волнения.

Почему нужного эффекта не получилось не совсем понятно: создатели внимательно отнеслись к тексту. Символика текста перекочевала и в фильм. Интригу придержали, что привнесло элемент неожиданности в историю. Также были добавлены сцены, которые отсутствовали в тексте, и вызвали просто бурю эмоций и восхищения.

В итоге, казалось бы, все должно сыграть как по нотам и стать отличным примером раскрытия текста Ибсена, однако как мне показалось, актеры сами не прочувствовали свою же историю, отнеслись, возможно, к ней лишь как к трагедии одной семьи, чем как к чему-то большему. Не сказать, что я разочарована, фильм мне в принципе понравился, но если обращаться к заглавному вопросу, то данная кинолента не смогла бы заменить собой текст.

Не получилось у фильма, зато получилось у отечественного телеспектакля «Нора» 1981 года. Благодаря ему я открыла для себя прелесть того, что можно буквально оказаться в театре не выходя из дома.

Постановщики выбрали интересный ход: вначале на затравку нам дают некую сцену суда, и зритель находится в недоумении. Затем по ходу спектакля этот суд станет лейтмотивом и будет открывать глубокие переживания героини.

Актеры играют в спектакле очень естественно, явно проживая и пропуская все через себя. Они удивительно балансируют на грани между русским человеком и человеком скандинавского мира. Актерам удалось соединить эти два мировоззрения в одно, и сделано это органично.

Большой поклон таланту Ларисы Малеванной («Оттепель», «Интердевочка»). Она умело соединяла тот внешний порядок жизни и внутренние переживания, которые здесь транслировались через внутреннюю речь героини. Ощущалась настоящая тревога, ожидание развязки, которая изменит все.

Все это вместе с прекрасно подобранным музыкальным сопровождением передали истинный трагизм людей, запертых в своих кукольных домиках и не понимающих жизни.

Теперь обратимся так же к телеспектаклю, но уже по произведению Бернарда Шоу. Вернее будет использовать термин театрализованная постановка, так как перед нами буквально предстает сцена с декорациями, все выглядит так, будто вы действительно пришли в театр посмотреть спектакль.

Режиссер этого спектакля великий человек, чьи заслуги можно долго перечислять – Валентин Плучек ( «Ревизор», «Малыш и Карлсон, который живет на крыше»). Однако я оцениваю результат, а не работу в целом этого человека.

Несмотря на то, что текст пьесы не изменен ни на дюйм, это не стало плюсом постановки. Не совсем был понятен некоторый выбор актеров: например, героиня Элли выглядела старше, чем дочери капитана. Это вселяло некое сомнение в целостность картинки.

Добавлю, что действо предстало передо мной очень скучным, монотонным. Если уж текст пьесы мне давался с трудом, то я была удивлена, что живая игра актеров в этом случае не спасла меня.

Но, несмотря на это, финал все-таки был мощным по своей эмоциональной силе. Актеры, будто затаившись, вдруг выдали в завершении настоящее мастерство и поразили до глубины души. Хотя, наверное, просто финал пьесы сам по себе имеет силу, и испортить его было невозможно.

На самом деле мне нечего особо добавить по этой постановке, я думаю, что это творение подойдет только для любителей. Возможно, кто-то находит в таком прямолинейном и сухом отображении текста свою прелесть.

Но не я, потому что мне предпочтительней эксперимент. И эту жажду удовлетворил последний фильм на повестке, имеющий название «Скорбное бесчувствие». От него я была в таком восторге, что после просмотра советовала его всем вокруг.

По мотивам пьесы Ю. Н. Арабов написал сценарий в стиле свободной фантазии, экранизированный А. Н. Сокуровым («Русский ковчег», «Александра»). Работа над картиной была начата в 1983 году, а закончена лишь в 1986 году. Основная часть материала была создана в первый год съемок. На широкие экраны фильм «Скорбное бесчувствие» вышел в 1987 году.
Режиссер не случайно выбрал для своей киноленты подобное название. Скорбное бесчувствие — это отсылка к литературному названию одной из психологических болезней, характеризующейся, в первую очередь, отсутствием чувствительности. Люди, страдающие подобным недугом, безразличны не только к посторонним, но даже к самым близким и родным людям, они утрачивают способность переживать какие-либо эмоции, испытывать душевную боль, радость, любовь, грусть, гнев.

С самого начала фильма понимаешь, что происходит что-то не вписывающееся в любые твои ожидания. Что говорить, если к нам почти сразу с черно-белой записи обращается настоящий Бернард Шоу. И ты понимаешь: фильм с претензией, фильм с вызовом.

Зрителя погружают в сумбур и абсурд. Весь фильм — это хаос на фоне хаоса. То, что зарыто у Бернарда Шоу, создатели отрывают и бросают в лицо, как бомбу.

Судя по отзывам, такое кино либо абсолютно отрицается, либо признается шедевром. Для меня это шедевр, поражающий сознание, он являет собой хронику истории человечества, хронику эпохи, хронику войны, хронику жизни одного автора.
Фильм наравне с пьесой можно пересматривать и раскапывать все новые пласты и знаки.

В конце фильма кажется, что ты сам сошел с ума вместе c миром героев. Абсурд несет разрушение самой жизни. И в то же время созидает новую истину в умах зрителей.

Я не искушенный зритель, я плохо знакома в принципе с отечественным кино, и тем более плохо знакома с кино, в котором будничность вывернута на изнанку, и для меня это было даже не открытие, а откровение.

Что ж теперь можно вернуться к главному вопросу: смотреть или читать? Неожиданно в эту секунду я понимаю, что не смогла бы оценить лучшие образцы представленного обзора, если бы не была знакома с текстом. Все-таки авторы пьес вносят в текст, хоть и очень глубоко, такой мощный подтекст, что он дает жить их произведениям в разных вариациях с разным эффектом на зрителя, однако коренную суть не изменить и не исказить. Изменит ли этот эксперимент мои отношения с драматическими произведениями? Скорее всего, пока что нет, но я на пути к пониманию.

Поэтому всем советую: сначала читайте пьесы, а затем знакомьтесь с постановками. От этого зависит успех их восприятия.

Родом из детства

"Остров сокровищ" — роман шотландского писателя Роберта Стивенсона о приключениях, связанных с поиском сокровищ, спрятанных капитаном Флинтом на необитаемом острове.

Эта история воспитывала целые поколения, прививая им многие нравственные понятия, такие, как честность, честь, храбрость и другие. Такая правильно настроенная книга, несомненно, могла бы дать кинематографу хороший инструмент для воспитания поколений, которые уже растут на визуальном искусстве.

Однако можно ли представить экранизации хотя бы без одного случая переосмысления произведения? Этот роман также стал рано или поздно лишь сюжетом, вокруг которого творили свое видение режиссеры.

Особенно популярной эта история стала в нашем родном СССР. И именно в нашей стране, на мой взгляд, реализовалась в полной мере та самая воспитательная сила данного произведения.

Хочется начать с советского мультфильма 1988 года, который в шутливой игровой форме буквально содержал в себе агитацию правильного образа жизни. Уникальная рисовка и поведение героев дают нам сразу узнать творение Давида Черкасского, который подарил нам в том же стиле «Приключения капитана Врунгеля» и «Доктора Айболита». Однако меня, уже выросшую, как раз рисовка очень оттолкнула. Мне она показалась не эстетичной, резкой и даже слегка мерзкой для глаза.

Наверное, это оказалось камнем преткновения. Потому что мультфильм сам по себе являет некую ироничную пародию на оригинальный текст, содержит тонну искромётного здорового юмора. Видна игра фантазии, эксперимент с сюжетом и формой. А именно это проявляется в черно-белых музыкальных вставках с реальными актёрами, которые поют песни, ставшие, наверное, в свое время крылатыми. Кстати, именно через этот элемент мультфильма к зрителю и просачивается ненавязчивое шутливое назидание о вредных привычках и о том, что будет, если им поддаться.

Он также содержит в себе множество отсылок к другим кинолентам: к «Книге джунглей», к «17 мгновеньям весны», к «Рэмбо».

Но, несмотря на беспечное игровое настроение, мультик показался мне немного жестким, отталкивающим в некоторых эпизодах. Однако форма мультфильма предполагает просмотр в первую очередь детьми, поэтому я не буду отрицать, что вышесказанные чувства слишком субъективны.

Хотя прелесть мультфильма и в том, что его могут смотреть взрослые и понимать то, что не поймет малыш. Именно поэтому этот мультик воспитал целое поколение, в отзывах к нему взрослые люди с восхищением и благодарностью вспоминают свое детство, когда смотрели его. И пишут о том, что с удовольствием пересматривают.

Однако я все же считаю, что этот мультфильм хорошее прошлое, но в настоящем он уже так не сработает: графика не та, да и поучительные песни уже так не воспринимаются младшим поколением. Мультфильм являет сейчас собой лишь предмет приятной ностальгии.

Следующий фильм был рожден в СССР намного раньше, в 1971 году под руководством режиссера Евгения Фридмана, для которого это окажется единственным разом, когда он будет сидеть в режиссерском кресле.

Кинокартина эта совсем мала по хронометражу, сюжет развивается стремительно, не затянуто, без излишних подробностей. К сожалению, иногда это создавало дыры в сюжете, но зато именно этот фильм имеет абсолютную легкость в восприятии и отлично подойдет для семейного просмотра на лишний часок.

Для меня самым большим минусом оказался тот факт, что главный герой Джим Хокинс здесь был очень пассивным, и я бы даже сказала, не соответствующим по характеру книжному мальчику. Если в книге рассказ идет от первого лица, и все действо мы проецируем на Хокинса, то в фильме становится сложнее выдвинуть этого героя вперед, так как вокруг происходит очень много действий. Несмотря на то, что фильм открывается приятным голосом рассказчика, актёр все-таки теряется на фоне всех приключений.

Но, наверное, для баланса скажу, что настроение от книги все-таки осталось. Было уделено внимание деталям костюма и антуража, пейзажам. Саундтрек к фильму написал Алексей Рыбников, а тексты песен — известный бард Юлий Ким. Получилось внушительно, серьезно — музыка исполнена духа приключений с примесью ноток светлой грусти.

Не знаю, когда началась эта тенденция, но уже в этом фильме Сильвер представляется скорее положительным бродягой, сбившимся с пути, чем разбойником без совести, как в книге. Грешить конкретно на этот фильм не стану, потому что это будет повторяться во многих экранизациях. Тем более грешить я не могу, потому что этот ход мне даже нравится, хочется найти в этом герое что-то светлое. И тут мне еще стоит присоединить хвалу актеру, который играл эту роль, Борису Андрееву («Илья Муромец», «Малахов курган»). На него хотелось смотреть, его хотелось слушать, его лицо было добродушным, но с хитринкой, конечно, это не книжный Сильвер, но это Сильвер, который станет дорогим для зрителя. Он оказался самым приятным и ярким Сильвером из всех экранизаций.

Продолжая и уже завершая русскую линию, обращусь к мини-сериалу 1982 года Владимира Воробьева («Труффальдино из Бергамо»).

Фильм длится в целом три часа с мелочью, что, конечно, может выбить из равновесия любителя приключений. Причем это время использовалось совсем не с целью показать мельчайшие подробности, даже наоборот, привносились ненужные, а исчезали важные. Вообще, считаю, что три часа для такой маленькой динамичной книги это перебор уже в сторону тягомотины. И взрослый, и ребенок с трудом будут искать в себе силы основательно посмотреть эту картину.

Еще одним камнем преткновения оказался возраст главного героя. Представляли ли вы Джима Хокинса детсадовцем? Здесь он именно такой. Сначала я обрадовалась, сама не знаю почему, на секунду мне показалось, что это отличная идея, выбрать актера, который будет во всех смыслах ребенком. Затем я поняла, что это скорее крупный промах. Хокинса превратили в излишне сентиментального и мечтательного малыша, который и половины из книги не смог бы сделать, в силу его физического развития. Конечно, режиссер все грамотно сгладил, но в сознании билась мысль, что неправдоподобна эта излишняя детскость.

Первая серия это вообще сплошная депрессия, и если бы у меня не было необходимости досматривать фильм, то скорее бы все оборвалось там. Серии очень неровные. Потому что затем вторая серия проявляет себя в действительно легком и живом юморе, я неожиданно замечаю за собой веселый смех в некоторых моментах. Некоторые фарсовые сценки помогли развернуть мои впечатления чуть в более положительную сторону.

В общем, сериал так и шел неровными скачками. Многие актеры не дотягивали до живых ярких персонажей, были нелепые кадры, не мотивированные ничем, атмосфера была скорее мрачная, чем приключенческая.

Чашу весов в абсолютное отрицание этого сериала склонил финал, искаженный и мотивированный предположительно советским сознанием.

Фильм этот в итоге хотелось бы видеть отдельно и отвлеченно от книги. Но это невозможно. Одно лишь скажу, только русские снимают такие фильмы, их узнаешь из тысячи, эта смесь грусти и радости присуща именно нашему менталитету, нашему кино.

Наверное, самым близкий к книге и ровно снятый фильм был снят в 1990 году содружеством Англии и США под руководством Фрейзера Кларка Хестона («Аляска», «Нужны вещи»).

Лично меня эта кинолента мало задела, наверное, потому что и книжный оригинал был уже далеко от меня по возрасту.
Фильм переведен приятными голосами, которые нам знакомы со старых зарубежных фильмов Первого канала. Органично вплетен закадровый голос, которого не хватало в других картинах. Все-таки когда рассказ ведется от лица мальчика в течение всего фильма, ты больше соединяешься с героем. Кстати, приятной неожиданностью было увидеть на роли Джима Хокинса совсем юного Кристиана Бэйла («Машинист», «Темный рыцарь»).

Композитором выступил Пэдди Молоуни, лидер ирландской фолк-группы The Chieftains. Соответственно, музыка имеет заметный уклон в сторону фолка, что очень соответствует атмосфере картины.

Несмотря на некоторые изменения сюжета, звучит прямой текст из книги. Характеры также сошли со страниц романа. Наверное, здесь почти не к чему придраться, фильм отлично подойдет для семейного просмотра.

Единственной ложкой дегтя для меня показалось порой заметное переигрывание актеров, присутствовала некоторая искусственность.

А теперь, в завершение, я расскажу о фильме, который понравился мне больше всего, несмотря на многочисленные отступления и изменения. Он вышел в 2012 году под флагом Ирландии, а снят был режиссером Стивом Бэрроном («Яйцеголовые», «Черепашки ниндзя»).

Это абсолютная интерпретация и видение режиссера, но мне кажется, она лучше всего подойдет для современного зрителя, и больше, конечно, для взрослого, хотя воспитательный момент в этой картине даже мощнее, чем в книге.

Актерский состав сразу привлечет любителей кино знакомыми лицами, чего стоит Элайджа Вуд («Властелин колец») в роли Бена Гана. Более того, характеры персонажей становятся в фильме намного глубже, чем в книге, они обрастают реальной плотью, начинаешь испытывать к ним настоящие человеческие, не условные чувства. Сами герои становятся более противоречивыми, у них на пути появляется выбор, а не одна заданная траектория. Интересно наблюдать за ними, ждать, куда же они повернут. Как раз через проблему выбора нравственного пути проявляется, как мне кажется, сильная воспитательная роль этого фильма. Хотя кинолента, конечно, на вырост детям, которые предположительно познакомились с текстом романа.

Создатели фильма внимательно отнеслись к деталям, к тексту, аккуратно восполняли пробелы, которые произведение упускало. Присутствовала потрясающая приключенческая атмосфера, красивые виды, музыка, хотелось так же, как главный герой, пуститься в путешествие.

Для остросюжетности в фильм были добавлены дополнительные линии, например, любовная, и они органично вписались в киноленту.

Этот вариант оставил в моей душе наиболее сильный след. Фильм длится достаточно долго, но в данном случае ты совсем не скучаешь, а, наоборот, в конце чувствуешь облегчение, что все закончилось благополучно и что все интриги, наконец, размотаны, что все герои нашли свое место.

Итак, подводя итоги, я скажу, что к выбору экранизации «Острова сокровищ» каждый должен подойти внимательно и с полным учетом личных предпочтений. Лично я не любитель советского кино, редко нахожу в нем что-то себе по душе, плюс я всегда ратую за нововведения режиссера в канву повествования, конечно же оправданные. Поэтому для меня фаворитом стал фильм 2012 года. Все остальные версии могут кому-то показаться такими же прекрасными, оспаривать это нет смысла. Все очевидные для меня минусы в них я уже описала. Факт остается фактом — из приключенческой детской книги выросло нечто большее в кинематографе. Каждый режиссер нашел, что показать не только детям, но и взрослым. А чтобы найти это и в книге, нужно ее прочитать. Поэтому всегда касайтесь книжного первоисточника, в этом заключается успех восприятия любой экранизации.

Скорая экранизированная помощь

"Мелкий бес" — роман русского писателя Фёдора Сологуба, впервые опубликованный (частично) в 1905 году. Именно это произведение Сологуба имело наибольший читательский успех, выдержав одиннадцать прижизненных изданий.

Бывает так, что книга, находящаяся в лучах всеобщего обожания, не находит отклика у тебя. И вот ты растерянно после прочтения произведения листаешь восторженные отзывы, и понимаешь, что не нашел всего этого в книге. И ты расстроен, потому что знаешь, что тебе не открылось то, что открылось почти всем. Можно ли исправить читательские впечатления, которые казалось бы уже сложены и обдуманы? Оказывается, можно. Хорошая экранизация может буквально привить тебе эту любовь, как вакцину, и, несомненно, затмить твое разочарование от художественного произведения приятными впечатлениями от кинокартины.

Такой печальный случай произошел со мной и произведением Федора Сологуба. Книга не задела никаких моих читательских струн. Она показалась мне довольно простой в сюжете и предсказуемой. Я могу сказать, что все мы порой исчитываемся, и нас становится все сложнее удивить. Добавлю еще, что произведение имеет символический подтекст, который с трудом прочитывается, и меня спасли лишь комментарии после книги. Однако комментарии не дали ответов, для чего те или иные символы тянулись красной нитью сквозь произведение. В итоге моим конечным впечатлением было то, что мне однозначно чего-то не хватило, казалось, еще чуть-чуть, и книга могла бы вызвать у меня восторг, но это чувство так и не дозрело.

И меня действительно спасла единственная экранизация этого произведения, снятая в 1995 году режиссером Николаем Досталем («Человек с аккордеоном», «Раскол»).

Фильм сразу окунает в необычайную атмосферу: нечто высокое и в тоже время убогое, отупевшее. Первая сцена охватывает всех, кто будет мракобесить все последующее действо. Все они под сенью церкви молятся Богу, чтобы затем выйти из храма и творить грех.

Кинофильм четко следует сюжеты, избавившись лишь от пары побочных линий, что режиссеры часто делают для динамичности сюжета. В данном случае фильм не потерял от этого ничего, а даже, скорее, приобрел: чем динамичнее картина, тем дольше будет к ней приковано внимание зрителя.

Актеры вжились в свои роли полностью. Это видно по глазам Сергея Тарамаева («Повести Белкина. Метель», «Мать Иисуса»), в которых читается неподдельное безумие. Если в книге мы какое-то время еще пытаемся определить этот недуг в герое, так как не можем видеть его невербальный код, то в фильме мы сразу читаем эту ненормальность, диковатость.

Все остальные актеры тоже отлично справились с поставленной ими задачей, характеры блистали, проявлялись во всей красе, особо мне понравилось, что было уделено внимание языку. Речевая характеристика была не забыта, не упущена, некоторые подробности языка перекочевали из книги, некоторые детали всплыли чисто из видения режиссера.

Весь фильм проникнут русским настроением. В нем сквозь низкий юмор и нелепые ситуации проглядывает бесконечная тоска и несчастье судьбы русского человека. Считаю, что режиссер очень точно прочувствовал главную идею книги: все мы безумны, мы живем в одном большом сумасшедшем доме. Это проявляется в сцене маскарада, которая являет собой аллегорический смысл всей идеи произведения. Все смешалось и перевернулось, не разобрать где люди, где маски.

На протяжении всего фильма режиссер очень тонко и ненавязчиво вплетался в канву оригинала. Но все-таки свободу творчества позволил себе. И раскрылся сам в финале фильма.

Случилось так, что финал захлестнул меня эмоциями, на меня нахлынуло то, чего мне не хватило в книге. Смелость надвигающегося 21 века и опыт всего 20 века помог режиссеру добавить в это произведение новый символический смысл, который сразил меня. Если книга закончилась, будто оборвалась, будто нам просто рассказали странненькую историю, то Николай Досталь сказал: все в мире закономерно, все повторяется, все грехи уже чьи-то грехи, но у каждого из нас есть шанс обрести спасение, даже будучи безумным. Порой самый грешный и самый безумный обретает истину.

В коротких выразительных эпизодах, подчеркивающих характер главных героев, в юморе, которого практически лишен роман, в блестящей игре актеров и, конечно же, в новом актуальном и поражающем сердце прочтении фильм явился для меня чем-то большим, чем произведения Федора Сологуба.

Но такого эффекта могло и не получится, если бы прежде я не получила первичные впечатления от книги. Поэтому прикоснитесь к оригиналу, создайте свой первообраз, и только тогда вы сможете оценить экранизацию.