Внимание: разыскивается лучшая Анна Каренина!

"Анна Каренина" — роман Льва Толстого о трагической любви замужней дамы Анны Карениной и блестящего офицера Вронского, параллельно развивающейся с историей обретения семьи Константином Левиным. Масштабная картина нравов и быта дворянской среды Петербурга и Москвы второй половины XIX века, сочетающая философские размышления авторского alter ego Левина с передовыми в русской литературе психологическими зарисовками, а также сценами из жизни крестьян.

Всего в мире насчитывается около 30 экранизаций «Анны Карениной». Истоки популярности этой истории на экране могут быть разными. В первую очередь это, конечно, величие имени самого автора, его место в истории. К этому органично добавляется пикантность одной из главных сюжетных линий. Женские страдания это одна из извечных кормушек для кинематографа. Как правило, в большинстве экранизаций история Левина маячит как тень, режиссеры не осознают, как важна она для понимания романа, и выдают нам типичную историю несчастной любви в разных трактовках. Я бросила себе вызов и решила посмотреть как можно больше интерпретаций. Я откинула черно-белые картины, так как это искусство на любителя, а далее мой выбор падал на те фильмы, которые есть в общем доступе, если с озвучкой, то качественной. Конечно, посмотреть все невозможно, но из того списка, что получился, главной моей целью было найти идеальную Анну Каренину.

Наверное, одной из первых цветных экранизаций, которая была воспринята на многие годы эталонной, была картина 1967 года. Техническая сторона, конечно, с трудом может привлечь современного зрителя, часто заметны проблемы со светом, порой кадр выглядит не натуральным. Но мы разумные люди и с легкостью делаем скидку на время, когда эта картина была снята.

Этому проекту повезло с режиссером — Александр Зархи («Двадцать шесть дней из жизни Достоевского») прекрасно знал, что делает. Режиссерская работа начинается с подбора актеров, и в данном случае задача была выполнена на отлично. Конечно, главной удачей я стремлюсь назвать выбор на роль главной героини Татьяны Самойловой («Летят журавли»). Успех, как ни странно, скрывался во внешности. Это оказалось точным попаданием в книжный образ. Ведь истинная Анна Каренина не обладала модельной внешностью, или точеной фигурой, да и вовсе была не очень и красива, она привлекала совсем другим. Татьяна Самойлова обладала уникальным внешним видом, не растиражированным. Поэтому ей легко было принять на себя эту роль и нести ее с поднятой головой. Главное – это улыбка актрисы, такая гордая, но полная отчаяния. Мне даже хочется сказать, что эта актриса была рождена для этой роли.

Кстати, тенденция «облагораживать» внешность героев затем будет преследовать и образ Вронского – от фильма к фильму он будет становится слаще и лощение, и мало кто вспомнит то, что Вронский, например, был плешив. Ну почему-то у современного кинематографа идет четкий стереотип, что если и показывать любовь, то она должна быть приторной и исходить из внешних симпатий партнеров.

Актерам этой картины удалось показать героев с очень близкой для зрителя точки зрения, все они играли откровенно, раскрывая свои простые, знакомые каждому чувства. Влюбленности Анны и Вронского веришь, прямо проживаешь с ними их чувства. Конечно, помогал тот факт, что актеры в реальной жизни были вместе, но и тут надо не переборщить.

Касаясь вопроса текста, стоит отметить, что он несомненно сокращен, но довольно удачно. Однако заметно удалена линия Левина, именно тут приходит понимание, что фильм рассчитан на того советского зрителя, который это произведение читал в обязательном порядке. Еще одним смещенным акцентом является чересчур сильный упор на социальную сторону романа. Толстой достаточно велик, чтобы не упереться только в одну тему. Здесь же почти очевидно, что героиня в конце концов не справляется именно с давлением света. Что не совсем точно. И в финале героиня действует уж слишком осознанно, у Толстого прочитывается некий полубред, и финальный монолог не спасает, все равно неправильно так целеустремленно толкать героиню на трагический шаг, не дав ей и секунды сомнения. Но этот нравственный вопрос и другие режиссеры будут решать так, как им видится и кажется.

Отдельное слово хочется сказать музыкальному сопровождению, за которое мы можем благодарить Родиона Щедрина. Удивительно, как музыка в некоторых моментах смогла заменить слова, передающие тревожные чувства тех или иных героев. Там, где не доставало нужного оттенка, мелодия приходила на помощь воображению зрителя.

По моему мнению, картина получилась цельной, живой, с учетом времени вопрос технический частично снимается. Что касается текста, то конечно некоторое смещение акцентов не очень приятно, но сюжетной канве не вредит. Упор здесь делается, несомненно, в первую очередь на мелодраматическую и социальную стороны. В какой-то мере этот подход можно назвать поверхностным. Так или иначе, после выхода фильма его посмотрели более 40 миллионов человек только на территории СССР.

В 1974 году будет снят фильм-балет, куда из предыдущего фильма перекочует композитор и талантливейшая Майя Плисецкая («Дама с собачкой», «Чайковский»), которая до этого сыграла Бэтси Тверскую. Эта балерина одной своей внешностью несет трагическое благородство, но, к моему сожалению, я не могу сказать, что ее лицо хоть как-то накладывается на книжный образ. Зато вокруг Майи Плисецкой создается особое настроение, которое отличает эту картину от всех остальных. С первых минут фатальность ощущается в воздухе, глаза актрисы сразу смотрят с невыразимой мольбой о помощи. И дополнительно помогает еще и антураж: все та же прекрасная музыка, как я уже сказала, уже знакомая по предыдущей картине композитора, проработанность декораций, особенно костюмов, отличная работа с цветом. Все это очень красиво, все это создает настроение и держит зрителя в некоем трансе, из которого потом очень сложно выходить.

Но нужно помнить, что балет — это особый вид искусства, у него есть свои законы и свои приемы. Здесь текст трансформирован в движение, танец, актерам нужно максимально утрировать все чувства, поэтому трагичность картины не удивительна. Эта интерпретация предназначена для тех, кто умеет оценивать такое искусство или, по крайней мере, открыт для его восприятия. Это все-таки не кино, не чистая экранизация, а адаптация, перевод литературного произведения в совершенно другой план.

Фильм 1985 года не был мною найден в сети, поэтому сразу перехожу к картине 1997 года, которая оказалась на слуху благодаря актрисе Софи Марсо («Храброе сердце», «Не оглядывайся») в главной роли. Я, кстати, не скажу, что прям была восхищена ее работой, хотя многие называют этот фильм лучшим именно из-за нее. Она частенько переигрывала, и скорее была юной девушкой, чем замужней женщиной с ребенком. И мне совсем не понять достаточно частых восторженных отзывов по поводу этой ее роли.

Знайте, бывают такие случаи, когда иностранный фильм представляет русскую реальность, и ты всматриваешься в актеров, и вроде внешне нет никаких отвлекающих помех. А бывает смотришь, и в голове мысль: какая карикатура! В этом случае у всего актерского состава как на подбор лица были настолько далеки от нашего типажа, настолько они были лакированы и выхолощены, что сразу создался настрой чего-то чужого.

И в соответствии с внешними образами все перерабатывается в некую слезливую, по крайней мере так рассчитано, мелодраму. Герои здесь не очень глубоки, они красиво поданы, помогает интересная операторская работа, работа с цветом, саундтреки с классической музыкой. Антураж, все силы в антураж. Не ново, и свойственно для Америки, а именно этой стране принадлежит производство фильма, а не Франции, как можно подумать из-за главной актрисы. А режиссер, уж если говорить откровенно, вообще англичанин. О цельности тут и речи не может идти.

Мы в самом начале окунаемся в дикий сумбур, события несутся, как поезд, мимо нас, только успевай выхватывать смыслы. Никакого развития, статичные переходы к новым состояниям героев. Сначала я обрадовалась, как мне показалось, наконец проявившейся параллели между историей Левина и Анны, которая является сюжетообразующей в романе. Но недолго я жила с этим чувством. Тут бедного Левина рано или поздно тоже забросили, вспомнили о нем в конце, да еще и на радостях бросили зрителю жирный намек, что это сам Толстой. Это интересно, но так очевидно это преподносить не стоило бы. Разбросайте намеки по картине, дайте зрителю включиться в игру.

А что происходит с текстом, мама дорогая! Режем сюжет как хотим, придумываем неуместные трагедии. Более того, именно с этого фильма начинаются типичные для последующих картин искажения. Утрированный возрастной разрыв с мужем, после его все чаще делали чуть ли не стариком, ну это чтобы зритель сразу понял, что у Анны просто не было выбора, хотя у Толстого про другое и о другом. Тут у нас и заиграла ко всему прочему распространенная тема наркотиков, ведь есть теории даже, что Каренина стала настоящей наркоманкой, и совершила все в состоянии прихода, так сказать.

Когда ты посмотрел столько адаптаций этого романа, просто красивая грустная история не может считаться удачной, потому что одного внешнего содержания мало. Этот фильм можно посмотреть, если ты точно прочитал книгу и посмотрел еще несколько других вариантов. А то ведь можно и не заметить, что это явная халтура, причем очень невнятная. Создатели этого фильма читали роман, видно, что они что-то уловили, но прочувствовать его, принять его как свое, родное, не смогли. Потенциал есть, результата нет.

Следующий фильм, рожденный в 2000-ом году, поражал зрителя в первую очередь огромным хронометражем аж в целых 4 часа. Эх, если бы это сыграло создателям на руку.

Несмотря на то, что в сюжетном плане это была скорее удача, а не наоборот, внутренне ощущался дисбаланс. Текст мы здесь видим, довольно подробно даже, но вот смысл исказился очень серьезно. Много детальных неточностей, неверно поданные реплики. Герои пустодушны, распущенны. Особенно касается главной героини. Ее играет Хелен МакКрори («Франкенштейн»), которая, по моему мнению, просто не обладает тем женским обаянием, которым обладала Анна Каренина. Роль она преподносит с какой-то вульгарной ноткой, ее отношения с Вронским в фильме выглядят ну слишком очевидным романом, с большим упором на сексуальные отношения. А в конце ее вдруг сделали алкоголичкой. Сочувствие она вызывает лишь в финале, неожиданно конец фильма выправляет ком негатива в нейтральную сторону. Как минимум здесь видна внутренняя мотивация героини на финальный роковой шаг.

Отдельной удачей можно назвать тот факт, что линию Левина наконец стали довольно четко сопоставлять с линией Карениной. Да, потеряли философские его искания, но жизненные здесь показаны очень аккуратно и четко. Его истории с Китти симпатизируешь.

Ко всему прочему, совсем не радует техническая сторона фильма. Первое, что бросилось в глаза, это странная, как бы скачущая, прерывистая операторская съемка. Музыкальное сопровождение вообще ни каким образом не отложилось. Антураж тоже не удивляет, не поражает. А нужно понимать, что уже позади не один вариант экранизации, и нужно стремиться к большему, находить ходы, которыми можно будет зацепить зрителя.

Знаете, почему-то много про этот фильм писать не хочется. Он просто не оставил никакого отклика в душе. Я считаю, что это проходная экранизация, ничем не выдающаяся, имеющая отчасти какие-то сильные стороны, но в равной степени обладающая большим количеством смещений. И этот фильм не хочется особо даже критиковать, настолько он мимо кассы в плане эмоциональном, что оставляет просто равнодушным и все. Я бы просто не советовала тратить время.

Следующая кинолента 2009 года вновь нашего отечественного производства, самая неоднозначная в данном перечне. В ней много плюсов, но передо мной будто стоит стена, не дающая пройти вперед и громко заявить, что это удачный фильм. Наверное, это потому, что все плюсы довольно мелкие, а вот недостатки как-то вызывают большие серьезные вопросы.

Если говорить о достоинствах, то начну с текста, он прям звучит, пробивается ключом в картине. По крайней мере, это дает основание полагать, что книга открывалась. И не важно, что в скором времени интонации рассказчика начнут не соответствовать тому, что происходит на экране, и зрителю нужно будет сводить два разных эмоциональных начала.

Вторым плюсом я отмечу умения играть на эмоциях зрителя, если это драматический момент, то он показан на высоте, это сглаживает какие-то неприятные предшествующие впечатления.

Ну и еще хочется особо отметить здесь подачу героя Каренина, чью роль исполнял Олег Янковский («Обыкновенное чудо», «Роковые яйца»). Это, наверное, единственный случай, когда этот герой был показан максимально искренне, беспристрастно и, главное, с человеческой стороны. Я сопереживала ему, сочувствовала, понимала его. Олег Янковский дал зрителю побывать на стороне мужа Анны, познать его боль, познать его трагедию. Один этот образ поднимает картину выше в моих глазах.

Ну а далее много критики будет, да простят меня поклонники творчества режиссера Сергея Соловьева («Станционный смотритель», «Асса»). Самым большим недостатком этого фильма была очевидность того, что он снят для друзей. Так и вижу, как все актеры собрались на личной встрече, и каждый выразил жгучее желание сняться в экранизации добротного классического произведения нашей страны. А выдается это все через огромные промахи с возрастом актеров. И как ни гримируй бывшую жену Соловьева Татьяну Друбич («Асса», «Десять негритят»), ее возраст никак не удалось скрыть. А ее хоть гримировали, а вот Левин, который выглядит как старик, ухлестывающий за молодой девушкой, это вообще без комментариев. Я просто не могла спокойно на это смотреть, внешность актеров постоянно вызывала во мне бурю негодования, я просто не могла сложить это с образами из книги. Опять, что касается Друбич, она не только внешне и внутренне будто была уже угасшей, в ней не было огня, страсти вовсе. Извините, когда показывают сцену в Италии, и двое влюбленных, которые сбежали от света, плывут в гондоле с лицами, будто с похорон едут, о какой правдоподобности и искренности может идти речь. Я вообще считаю, что Друбич самая худшая Каренина.

Еще большее раздражение вызывают немотивированные режиссерские эксперименты. Я не ханжа, но все должно быть оправдано, иметь свое место. Неприятное, неуместное музыкальное сопровождение, которое резало слух, хотелось хоть на секунду остаться без этой музыки. Операторские решения туда же. Фантасмагорические вставки, наложение кадров, затуманивание, создание иллюзии бреда. В итоге выливается в реальный бред.

В итоге к концу фильма он становится просто неприятным для восприятия, учитывая, что смотришь ты это 5 серий кряду; вновь упор на наркотики, конец, который из последних сил драматизмом пытается вытянуть из зрителя чувства, хотя уже кажется перебором, и в конце концов совсем невнятная точка, из которой выкидывают судьбы большинства героев. В итоге это единственная экранизация Анны Карениной, которая вызвала настоящий негатив, если предыдущая версия оставила равнодушной, тот тут я просто осталась в скорбном негодовании.

Следующий фильм родился в Англии в 2012 году, а до сих пор вызывает споры и обсуждения. У меня с ним история давняя. В далеком 2012-м, когда я была еще глупой школьницей, не имеющей сформировавшегося вкуса и культурного опыта, я пошла на него в кино. Более того, тогда я даже книгу не читала. И мне фильм абсолютно не понравился, я его просто не поняла. И вот пять лет спустя я смотрю на этот фильм совсем другими глазами.

Самым большим его достоинством является оригинальность. Я ценитель чего-то нового, особенно в тех случаях, когда вещь затаскана. В данном случае режиссер Джо Райт («Искупление», «Черное зеркало»), который, по моему мнению, обладает уникальным творческим видением, сделал ставку на то, чтобы удивить зрителя, и не прогадал. Английская культура в его представлении переплелась с русской. Шекспировская фраза, которая на самом деле ему не принадлежит, весь мир театр, здесь была идейным стержнем. И русский текст работал в симбиозе с английским культурным планом.

Это проявилось в том, что большая часть фильма была снята в закрытом театре, построенном с нуля в Шеппертоне. Сцены на катке, железнодорожном вокзале и конюшнях были сняты в верхней части театра. Во время съемок панорамных кадров использовали игрушечные поезда и кукольные домики. Единственным, чьи сцены были задействованы и вне стен театра, оказался герой Левина. Этим Райт хотел подчеркнуть тот факт, что только персонаж Левина отражает реальный мир. Отсюда наконец родилось адекватное, долгожданное мной противопоставление города и деревни, которое до финала идет центральной идеей, и параллельность линий Левина и Анны. Вообще это единственный Левин из всех фильмов, который мне нравится. Сыграл его Донал Глисон («Не отпускай меня», «Бойфренд из будущего»). Именно таким я видела Левина, возможно, вновь не дожали с философскими изысканиями, но его глубину актер передал. В его глазах все читается, видна эволюция характера.

К сожалению, с остальным актерским составом дела обстоят не так успешно. Все герои превратились в сладкие выхолощенные пародии на книжных героев. Вронский здесь приторный, а в паре с ним стоит идеальная Кира Найтли («Искупление», «Гордость и предубеждение»), которая далека от Карениной по всем параметрам. Эта актриса мне очень нравится, и играет она хорошо, делает все возможное, но в ней нет ничего, чтобы сблизило бы ее с героиней. Этому еще мешает и не очень адекватная интерпретация ее отношений с Вронским. Уже набившая оскомину сексуальная тема здесь прям бьет ключом. Сама Анна, «оседлав» Вронского, говорит: «Вот что значит любовь». И тут мне хочется ударить себя по лбу так громко, чтобы создатели фильма услышали. Да, у Анны и Вронского отношения основывались на страсти, но эта страсть была огнем внутри них, это была полная безоговорочная вера в любовь, и дело было не только в сексе. Еще нелепее выглядит то, что, например, сам Вронский буквально предлагает Анне подсесть на морфий, и потом они и в наркотических трипах занимаются сами знаете чем. Так опустить моральный уровень этой глубокой и во многом философской истории надо постараться.

Текст, конечно, для кинофильма хорошо утрамбован и разложен, однако присутствуют глупые, излишние детали, герои выглядят поверхностными, нет яркости чувств.

И это странно, потому что внешне очевидно, что роман прочитан. Например, игра с предчувствием Анны здесь просто потрясающая, героиня здесь буквально кожей чувствует, как за ней несется неизбежное последствие ее выбора. Прекрасно обыграны лейтмотивы, прочитываются сквозные образы. И совсем в таком случае непонятны такие промахи с внутренним содержанием героев. Как будто они существуют отдельно, или их характеры не согласовывались с режиссерским видением.

В итоге получилась шикарная картина, красивая, отчасти оригинальная, музыкальная, чувствуется широкий размах мысли. Но, видимо, англичанам русского человека не понять. Идеи могут быть общечеловеческими, их наполнение может на разных культурных кодах пересекаться, а вот душа у каждого народа своя, и это, наверное, неподвластно чужеземному режиссеру. Я бы советовала смотреть эту картину ради ее оригинальности, такое красивое и глубокое в деталях кино увидишь не часто. Нужно просто закрыть глаза на характеры из романа и открыть их заново в английской интерпретации.

Итальянское кино начинает укореняться в моем сердце, и следующая экранизация поспособствовала этому. Экранизация 2013 года, снятая канадским режиссером Кристианом Дюге («Коко Шанель») при участии итальянских актеров, очаровала меня. Особая черта кинематографа этой культуры — это изящество и благородная красота в каждой линии. Если предыдущие фильмы удивляют (не всегда) антуражем, который мы очевидно понимаем как сделанную вещь, то здесь все естественно и гармонично. Красками этого фильма насыщается душа.

А какие красивые актеры, все лица тоже гармоничные, искренние, благородные. Глаз радуется, особенно когда эти люди умеют на себе носить прекрасные наряды, как свою вторую кожу, не играя, а проживая свои роли. И самое главное, что это достигается не словами, а включением мимики, жестов, взглядов. Это располагает зрителя доверять и верить актерам, начинать полностью погружаться в истории героев.

Конечно, в центре у нас Анна, которую играет необыкновенной красоты Виттория Пуччини («Декамерон»). Но здесь, в отличие от многих других вариантов, режиссер очень хорошо построил мир фильма вокруг героини так, чтобы от нее тянулись ниточки к другим героям, причем эти связи раскрывались максимально полно. Так, например, очень понравилось раскрытие отношений с мужем. В самом романе я мало прочитывала обоснованной мотивации к такому отношению Анны к Каренину, а здесь мне будто ее глазами мир показали. И то, что он по сути не уделял ей никакого внимания, как многие мелкие вещи накапливались в раздражающий ком, не просто Анна отвернулась от него, она, возможно, даже испытывала к нему чувства, которые просто не поддерживал он сам. Так мы видим это в этом фильме. И Анне наконец я могу отчасти начать сочувствовать.

Также хочется отметить, какое огромное внимание уделили сыну Анны. Во всех экранизациях он лишь сюжетный элемент, а здесь его показывают как формирующуюся личность. Он все видит, он начинает все анализировать, понимать, он начинает уже меняться. В образе этого ребенка уже можно увидеть его будущее, на котором будет лежать скорбная печать несчастья его семьи. Правда, так этого персонажа не раскрывали ни в одной экранизации.

Все эти раскрытия других персонажей создают живой образ героини. Она страстная, действенная, горячо любящая. Но за всеми этими чувствами совсем не оказывается глубины романа. Это уже становится для меня закономерностью – итальянское кино красиво, чувственно, но очень поверхностно. Играет на эмоциях, но для раздумий пищу дает скудную. Однако учитывая полноту отраженного сюжета, учитывая, что все узловые моменты показаны в полной мере, да и к тому же здесь отлично обыграна линия Левина, фильм на выходе имеет положительный эффект. Порой, наверное, не надо много думать, нужно просто проживать.

Радует конец, как раз в финале можно окончательно понять, что создатели фильма не увлекаются придумками своих смыслов. Финал получается жизнеутверждающим, показан он через Левина, как и положено, и зритель может почувствовать светлую грусть, которую, вероятнее всего, испытывал при завершении прочтения романа.

Вот мы и добрались до версии, которая шумела в этом году. Ее обсуждали, она вызывала разногласия и получала разные оценки. Это вновь наше отечественное производство, и принадлежит эта работа режиссеру Карену Шахназарову («Белый тигр», «Палата №6»). Она существует в двух вариантах: в виде фильма и в виде расширенной версии, воплощенной в сериале. Я выбрала фильм, из чисто практических соображений (поэтому пишите, если вы смотрели сериал, о своих впечатлениях), и он имел особый заголовок – «Анна Каренина. История Вронского». В этом мы видим конечно же претензию на оригинальность, сюжет завязан на том, что выросший сын Анны встречает в полевом госпитале во время русско-японской войны Вронского, и тот рассказывает как бы свою версию событий. На этом оригинальность сюжета заканчивается. Понимаете, когда за плечами как минимум десяток экранизаций, очень сложно удивить зрителя. Вот в 2012 году у режиссера это удалось сделать с помощью технической стороны. Здесь создатели надеялись удивить сюжетным ходом. Но по сути сняли все ту же «Анну Каренину», потому что не пошли ни на какой риск в изменениях сюжета. А тут получается мало того, что эти воспоминания совсем не отдают новизной, так неожиданно в воспоминаниях Вронского появляются моменты, которых он не мог видеть. Не продуман четко сценарий, задумка есть, а воплощение продолжает быть в данном случае банальным и даже нелогичным. Очень хотелось увидеть такую «мужскую» версию, но не случилось. Возможность раскрыть Вронского с новой стороны была упущена. Он все так же мелькает от кадра к кадру, от встречи к встрече, а его мысли, его жизнь за пределами романа остается загадкой. Творческого эксперимента не случилось, хотя именно риск в данном случае мог выстрелить в действительно что-то свежее и стоящее.

Также не обосновано вхождение в сюжет выросшего сына. Как героя, мы узнаем лишь его социальные заслуги, а его оценка почти отсутствует. Да и вообще порой Вронский уже не рассказывает, а сам с собой вспоминает события, то есть с таким же успехом это можно было подать в виде дневника Вронского. То есть вы видите, что все новое здесь плохо замотивировано.

Продолжая касаться сюжета, он мне показался слабым пересказом, опять же, повторюсь, я говорю только о фильме, конечно, сериал имеет расширенную сюжетную линию, но фильм как целое произведение должен отражать важные вехи. А здесь, например, просто забыт кусок про Италию, который раскрывает отношения героев с новой стороны. Каких-то героев вовсе устранили.

Обычно я сразу погружаюсь в анализ главной героини, но вот в этот раз накипело как раз по интерпретации текста. Наконец, можно и к самой Анне перейти. Здесь уже стандартная история: худая, миловидная красавица Елизавета Боярская («Шерлок Холмс», «Пять невест»). Когда я увидела, что она играет в этом фильме, я сразу сказала: она просто не может быть Анной Карениной. И знаете, просмотр не изменил мое мнение. Просто образ Боярской не накладывается на книжный образ, ее манера игры, поведения в кадре уже известны зрителю, и ее жесткость не может соединиться со стопроцентным женским началом Анны. Такой я эту героиню не видела ни в одной экранизации: она сильная здесь, со стрежнем, ее ничем не сломишь, истерика лишь слабость, она берет в свои руки все. Здесь она часто бывает жестокой, расчетливой, есть здравомыслие в ее поступках и словах, так как в романе Анна живет на эмоциях. У Боярской нет волнения души, она даже слова чеканит, в ней слишком много цельности. Эволюции героини нет, поэтому финальный всплеск кажется неожиданностью. Думаешь: да как так, ведь героиня весь фильм держала в руках вожжи, а тут вдруг откуда-то слабость. Единственное, что вызывало положительный эффект, это профессионализм Боярской. Она умеет нести свою роль чинно и важно, это вызывает восхищение. Поэтому я остаюсь в смешанных чувствах на ее счет. С одной стороны, это не Каренина из романа, но с другой стороны, актриса убедительно играет, четко выдает роль, и невольно хочется оценить ее по достоинству.

В общем сам фильм не обладает однозначно качественностью, абсолютно вторичный продукт, я видела это и в других экранизациях, особым русским духом здесь тоже не пахнет, все очень примитивно. Возможно, сериал лучше, возможно, все силы ушли в него, а это лишь уменьшенная копия. Только так я могу оправдать такую унылость, которой веет от этого фильма. Может, сериал поживее. Сам же фильм я не называла бы ни полноценной экранизацией, ни качественным переосмыслением.

Подводить итоги по такому масштабному проекту очень сложно. Толстой непростой автор, и очень легко взять из его произведений сюжет, забыв про моральную основу. Многие из фильмов, которые я посмотрела, уходили либо в мелодраму, либо превращались в костюмированный театр. Если говорить о моих зрительских симпатиях, то, наверное, здесь я бы выбрала английскую версию 2012 года, потому что она оригинальна, и итальянскую версию, потому что с этим фильмом созвучно мое эмоциональное настроение.

И все же мы тут пытались выбрать королеву роли Анны Карениной. Я поставила на пьедестал двух: Татьяну Самойлову, потому что это просто ее роль, она для нее родилась, и Витторию Пуччини, потому что она играла убедительнее всех. Но, конечно, у каждого свои фавориты, свое видение, особенно мне сложно быть объективной здесь из-за большого количества фильмов. Я скорее уходила больше в сравнения, иногда теряя абстрагированность фильма от внешних факторов.

Одно скажу наверняка. Ни одну из этих экранизация нельзя оценить и понять, не прочитав роман. Все эти фильмы урезали очень многое, упускали глубину текста, теряли важные смыслы. Так что в обязательном порядке сначала нужно читать роман, а потом уже браться за кино, в этом заложен успех восприятия любой экранизации.

Идеологическая обработка

"Конармия" — цикл (сборник) из 38 рассказов Исаака Бабеля , который дает немало оснований воспринимать книгу как единый, связанный и сквозным сюжетом, и разветвленной системой лейтмотивов, роман. Рассказы объединены темой гражданской войны и основаны на дневнике, который автор вёл на службе в 1-й Конной армии, под командованием Семёна Будённого, во время Советско-польской войны 1920 года. В книге честно и без прикрас показаны реальности того времени.

Книга встретила неприятие со стороны отдельных советских военачальников и некоторых литераторов того времени. Образы персонажей рассказов при всем их героизме и отваге были далеки от глянцевых пропагандистских стереотипов. Книгу особенно отрицательно оценил Семён Будённый, выступивший в журнале «Октябрь» с гневной заметкой. За Бабеля вступился Максим Горький, вступив с первым в полемику. Последнее прижизненное издание книги было в 1933 году; в 1940-м Исаак Бабель был расстрелян по надуманному обвинению, а все его произведения до 1950-х годов оказались под запретом. Реабилитирован в 1955, тогда же была возобновлена публикация его работ.

В киноискусстве Бабель оказался фигурой, не вызывающей интерес, хотя, думаю, кино бы получилось живое и актуальное. Можно несомненно бояться не справиться с грамотным построением сценария, но если вглядеться в текст, то сюжетная канва намечена, а форма рассказов, наоборот, позволила бы режиссеру проявить свое творческое начало. И если не в кино, то в театре нашлись такие герои.

Я расскажу о самых известных, а для некоторых как раз наоборот неизвестных, постановках этого уникального произведения.

Первая из них состоялась еще в СССР, еще в конце 60-х, в 1975 году же был снят телеспектакль. Очередной виток сложного времени для нашей страны, у руля Брежнев, продолжаются ссылки, аресты, от событий, которые описывает Бабель, ушли недалеко, только гражданская война приняла давно форму тихого своевременного гашения недовольных.

Такого вывернутого прочтения я никогда еще не встречала. Бабеля, которого уничтожала эта же власть, удобненько взяли и использовали в своих идеологических целях правительство и режиссеры этого спектакля, Алина Казьмина («Жизнь Клима Самгина», «Большевики») и Рубен Симонов («Принцесса Турандот»), ставившие его на сцене театра им. Вахтангова. Произведение Бабеля оказалось в плену времени и обстоятельств, и, как и он, стало жертвой идеологии.

Главный герой Лютов, имеющий несомненно очевидную жизненную параллель с автором, здесь смят и уничтожен, даже фамилию поменяли, лишь внешне он напоминает самого Бабеля. Характер здесь его совсем не проявлен, он тусклая тень повествования. На первом ряду молодцеватые красные, они герои. Бабель рисует кошмар войны, а режиссеры обставляют все плясками, смехом, а драматические эпизоды тщательно выбраны: либо это буржуи, которые заслуживают наказания, либо предатели и изменники.

Реальность Гражданской войны в рассказах Бабеля полна насилия и ужаса — и при этом поэтизирована. Хорхе Луис Борхес в эссе «Исаак Бабель» писал: «Музыка его стиля контрастирует с почти невыразимой жестокостью некоторых сцен». Говорить здесь о сохранении стиля не приходится, скорее упор делается на казацкий говор, а художественное своеобразие не служит задачам постановки.

То же самое можно сказать и о психологизме. Все герои здесь вылеплены как под копирку, славное красное войско, каждый со своей бедой и жаркой верой в революцию. Глубины никакой, у Бабеля люди, человеки, а здесь борцы за революцию, карикатурные типажи. Все плывет на поверхности и, к сожалению, не тонет. Одно сплошное оправдание большевиков, они в постановке хоть и жестокие, но всегда справедливые, всегда добавляется что-то инородное тексту, что должно изменить восприятия этих людей.

Вот вам один пример, надеюсь, не сочтут ужасным спойлером, если раскрою один рассказ. Весьма показательна сцена по новелле «Соль». Там «гнусная гражданка», чтобы проехать на закрытом военном поезде, обманывает бойцов, выдавая за младенца завернутую в пеленки соль. У Бабеля, когда обман раскрывается, ее выбрасывают из идущего поезда и — поскольку она осталась цела — пристреливают. В телеспектакле можно увидеть, как усилили тупость и злобу героини. Из поезда ее выбрасывают, но прицелившийся Никита Балмашов все же разворачивается на зрителя и жалостливо произносит: «Не могу я, братцы: баба как-никак».

Бабель был честным, не принимая никаких сторон, он показывал: вот такие были люди, такая была война, все было черным, не было кого-то белее. За это и расстреляли: большевик – это идеал, все жестокости творит он на благо, и душа у него не пятнается.

Постановка получилась не музыкальной, технических возможностей театра использовано очень мало, хотя к тому времени декорации можно было обставить и лучше.

Сумбур и в выстраивании сюжета, откровенно говоря, смотреть этот спектакль почти три часа настоящая пытка. Еще и Маяковского сюда приплели, так же используя его очень глупо в своих идеологических целях. В образе Маяковского выходил Василий Лановой и читал строки из поэмы «Хорошо». Как вспоминает артист, эти стихи «звучали в начале спектакля, середине его и в финале, как реквием по ушедшим в небытие и обращение к будущим поколениям».

Что ж, это была одна из первых крупных попыток преодолеть напряженное отношение к автору. Бывшие красноармейцы прислали в театр возмущенное письмо, поминая ненавистную бабелевскую «Конармию». Несомненно, я понимаю, что, наверное, другого взгляда тогда на это произведение и не могло быть. Но я противница такого обращения с текстом. Меня поражает сама мысль, что этим людям не было стыдно, что критики даже хвалили постановку, выискивали там глубину. Лицемерная постановка в угоду власти, на самом деле скорее не возрождающая память Бабеля, а втаптывающая его в грязь. Смотреть это не актуально, а для тех, кто любит Бабеля, я бы сказала, даже оскорбительно.

Восприятия людей двадцать первого века, особенно молодых людей, совсем другое. В общей массе своей мы стремимся к пацифизму, для нас война это нечто далекое, но несомненно во всех смыслах жестокое. Еще раз делаю акцент на молодом поколении, потому что сейчас сама отношусь к нему и в большинстве своем окружена молодежью. Спектакль «Конармия», поставленный режиссером Максимом Диденко в 2014 году, имел абсолютно противоположный идейный фундамент, который мне несомненно ближе.

До моего города он дошел спустя почти три года и вызвал бурное обсуждение в заинтересованных массах. Кто-то был восхищен, кто-то поражен, рассказывали о людях, которые уходили из зала. К сожалению, увидеть этот перфоманс лично я не имела возможности, несомненно, в подобное творчество нужно погружаться именно находясь в театре, но спасибо тем, кто снял этот спектакль, и снял очень профессионально, хотя эта постановка не предполагает этого.

Как никогда произведение Бабеля стало для нас актуально именно сейчас, спустя почти сто лет, гражданская война в Украине, волнения в нашей стране, постоянный прессинг терроризма. Вот когда нужно читать это произведение. Диденко принял на себя мировосприятие Бабеля, и увидел самую главную суть: война — это зло для каждого человека.

Привожу цитату из КультМск: «Постановка пропитана болью, ужасом, передает ощущение липкого страха и полной безысходности человеческих существ, загнанных в угол. "Конармия" — спектакль еще и о ценности жизни, о том, как важно не потерять ориентиры, не поддаться общему хаосу и остаться людьми даже пред лицом смерти».

Выбрала я ее из десяток статей критики, потому что мне кажется, она очень точно отразила и настроение спектакля, и его цель.

Сложно облекать в слова то, что происходило на сцене, потому что это несомненный эксперимент, для среднестатистического зрителя это, возможно, даже культурный шок, именно поэтому люди так неоднозначно восприняли это действо. Зрительское восприятие этого спектакля на все сто процентов зависит от опыта этого самого зрителя. Этот спектакль многослоен, и каждый прочтет его по-разному. Я смотрела его в первую очередь, как человек знающий и ценящий текст оригинала, а во вторую как не пресытившийся театром зритель.

Меня порадовало филигранное отношение к тексту Бабеля. Он звучит, да, он трансформируется отчасти, но весь стиль автора, а он у него фантастический, сохранен, большинство образов сохранены, они живут и дышат на этой сцене. Я, возможно, не имею права оценивать актерское мастерство, так как я не профессионал, но как зрителю мне не хватило убедительности в игре. В работе не хватает некоторой интеллигентности, аккуратности, ювелирности. Кажется, что выход на более тонкую работу со зрителем, а не на крики и эпатаж, вызывает у ребят затруднение, и они осознанно не идут на это. Но я знаю, что играют молодые люди, двадцать три студента Мастерской Дмитрия Брусникина из Школы-студии МХАТ, их опыт не насчитывает года, и для тех, кто только входит в театральную профессию, их игра удивительна своей самоотдачей. Мысль о том, что мои однолетки могут так прочувствовать такое глубокое произведение, так пропустить его через себя, уже заставляет отдать им дань уважения. Да, видно, что еще многому можно научиться, что в большинстве своем сейчас их актерская игра строится на экспрессии, но виден потенциал, и видно осознанное отношение к тому, что ты играешь, и от этого многое сглаживается.

Единственный у меня вопрос к воплощению главного героя. Не понимаю, почему его постоянно рисуют ну прям хлипким, да, его мало как действующего лица в произведении, но он не кажется размазней, он, наоборот, выглядит поразительно стойким, учитывая весь кошмар, происходящий вокруг. Возможно, мешает какая-то субъективная интерпретация главного героя.

Но что именно так шокирует зрителя? Да, наверное, все! Минимализм на тонкой грани с экспрессией. Цвета: серый, желтый, белый… и красный, словно кровь. Какофония звука. Музыка здесь как основной массив повествования: от ритуальных еврейских песен до рэпа. Голые тела на сцене все еще вызывают зачастую непонимание зрителя. Вся эта смесь не каждого оставит равнодушным, и уж точно не каждый открыт для такого опыта.

Этот спектакль — настоящее постмодернистское явление: здесь сплошной подтекст, что-то вообще невозможно расшифровать, что-то можно трактовать десятками трактовок. Религиозные мотивы, которые скорее выходят не из Бабеля, а из русской истории, кстати, ощутима поэма Блока в этой же канве. Параллели со множеством культурных явлений различных эпох. И весь этот огромный багаж знаний и философии создателей льется со сцены. Но дойти равнозначно до всех он не может, каждый увидит свое. У таких спектаклей будет долгая жизнь, потому что зритель будет развиваться и возвращаться к нему. Текст спектакля, откровенно говоря, даже перепрыгивает Бабеля.

И вновь возникает вопрос использования автора. Тут у нас совсем другая история. Текст «Конармии» в данном случае как толчок для творческого переосмысления природы войны. Но сколько бы не было в спектакль вложено начинки, не прочитав толково, ничего не поймешь, скорее потеряешься в сумбуре, и как раз выйдешь после первых десяти минут из зала. Читающему же зрителю будет даже интересно узнавать знакомые рассказы, видеть нюансы новых смыслов.

Сам Диденко говорит следующее в одном из интервью: «Искусство может быть для зрителя, а может быть элитарным, скажем так. Мне кажется, причина, в каком-то смысле, раскола, что художник замыкается в какой-то знаковой системе, которая ясна только какому-то узкому ряду зрителей, и пренебрегает взглядом простого человека. <...> То есть, мне кажется, просто на территории театра, в том числе, существует такой раскол, который я бы хотел преодолеть, и это мой как бы манифест — преодоление этого раскола. И мне кажется, это реально, и что нет искусства для быдла, и искусства для действительно хороших людей. Нет искусства для хороших людей и искусства для плохих людей. Мне кажется, должно быть и нужно искать искусство для всех, иначе просто гражданская война».

Мне импонирует такая позиция, несмотря на то, что еще есть препятствия, которые нужно преодолеть для такой идеальной цели.

Отзывы на этот спектакль неоднозначны, да и разве может такое экспериментальное творчество восприниматься на ура всеми, останутся «староверы» театрального искусства, или люди, пресыщенные подобным и сумевшие углядеть в этой постановке множество недочетов. Я простой зритель, ценящий искусство. И несмотря на некоторый скепсис, касающийся идей, я вижу грамотную и обдуманную работу с текстом оригинала, и множество поразительных возможностей нового развивающегося театра.

Так или иначе Бабель не смог избежать идеологической обработки своего текста. В СССР его вывернули наизнанку и сделали пугалом для тех, кто не верит в силу коммунизма. В наше время он стал миротворцем, его гуманистические идеи утрировались, теперь его используют в пропаганде мира среди людей. И такая линия мне нравится больше.

Но самого Бабеля можно увидеть и понять, лишь читая его. За чужими интерпретациями автор легко теряется. Нужно быть подготовленным зрителем для любых постановок, потому что нам так и норовят сказать новую правду. «Конармию» нужно открывать и читать, когда, если не сейчас? Зато потом любое видение этого произведение будет оценено вами как минимум с точки зрения знающего читателя, который сформировал свою личную позицию.

Женщина-пазл

"Ребекка" — роман английской писательницыДафны Дюморье , принесший ей популярность и считающийся одной из лучших ее работ. Несмотря на то, что многие критики и читатели видят в его сюжете некоторое сходство с легендарной «Джейн Эйр» Шарлотты Бронте, произведение Дафны Дюморье никак нельзя назвать вторичным. Удивительно тонко описано противостояние двух женщин – новой и бывшей хозяйки Мэндерли: первая – молода и полна жизни, вторая – уже год как покойница, но по-прежнему будоражит ум и сознание. Автор плетет кружево из загадок и тайн, которые читатель разгадывает вместе с главной героиней. Это текст, держащий читателя в напряжении до последней страницы.

Этот роман может похвастаться той стремительностью, с которой он получил свою первую экранизацию. А учитывая имя режиссера, который взялся за дело, можно смело делать выводы об оценке этого произведения современниками Дафны Дюморье. Роман был написан в 1938 году, а в 1940 году на экраны выходит одноименный фильм, снятый режиссёром Альфредом Хичкоком («Психо», «Таверна «Ямайка»). Фильм конечно же черно-белый, и для меня это продолжение эксперимента с подобным форматом.

Как бы это иронично ни звучало, у этого фильма все действительно либо черное, либо белое. С самого начала отмечаешь, что есть очень светлые моменты, с легкой музыкой, во время которых забываешь, что эта история должна держать в напряжении. И тут же на контрасте трагические моменты сгущены максимально, почти утрированны, нацелены действительно напугать зрителя. Сначала я не могла разобраться в своих чувствах: мне казалось, что фильм недостаточно интригует. Разобралась я к финалу: напряжение здесь накатывает постепенно, это порой немного утомляло, внимание рассеивалось, в итоге все это служило грандиозному яркому финалу, где зритель мог бы выплеснуть все что накопил.

Самое первое, что оказывается в центре внимания зрителя – читателя – это главная героиня. Лоуренс Оливье («Спартак», «Игра на вылет»), играющий главную мужскую роль, хотел, чтобы Вивьен Ли сыграла миссис Де Винтер. Однако роль досталась Джоан Фонтейн («Джейн Эйр», «Письмо незнакомке»). На протяжении всего периода съёмок Лоренс относился к ней крайне враждебно и недружелюбно. После того как это заметил Альфред Хичкок, он попросил съёмочную группу относиться к ней точно так же. Таким образом режиссер постарался добиться от актрисы максимальной застенчивости и неуверенности, что требовалось от её героини. И у них получилось! Если не касаться внешнего облика, к которому некоторые придираются, характер безымянной супруги Максима Де Винтера актриса передала безукоризненно. Ее робость была естественна, чувства правдивыми, если и где бывали театральные вспышки, то теперь я знаю, что черно-белые фильмы просто компенсируют подобным утрированием отсутствие цветовых помощников. Что говорить об остальном актерском составе – я не скажу, что у меня были какие-то сомнения. На самом деле, забегая вперед, из всех просмотренных экранизаций это действительно единственный случай, когда герои книги максимально раскрылись в фильме.

Единственный, кого, по моему мнению, не раскрыли, так это саму Ребекку. В романе она повсюду, ее так много и о ее характере мы до самого финала постоянно узнаем все новые и новые подробности. В фильме Ребекки нет. Она в фильме бесплотный призрак, ее преданная служанка больше пугает, чем Ребекка. В какой-то момент Дэнверс настолько затмевает образ Ребекки, что та становится второстепенным персонажем. Вообще очень странным оказывается реакция кинокритиков и некоторых зрителей на эту пару: служанка Дэнверс и хозяйка Ребекка. Для меня было большим удивлением узнать, что некоторые прослеживают здесь лесбийские мотивы. И только после просмотра я поняла, что был упущен важный момент биографической справки этой пары. В фильме совсем не указывается на то, что Дэнверс с малых лет воспитывала Ребекку, и ее привязанность имеет скорее не сексуальный характер, как некоторые додумываются предположить, а материнские причины. Вот так – одна маленькая выпущенная деталь, и трактовка всей истории может исказиться в глазах зрителя.

Несмотря на то, что я хвалила за попадание в характер героев, это можно сказать лишь о первой половине фильма. Чем дальше в лес, тем все становилось хуже. Героиня начинает приобретать небывалую дерзость и решительность намного раньше положенного срока. Да и сюжет нет-нет да вильнет не в ту сторону. Под давлением обстоятельств развязка истории была полностью изменена. В те годы в Голливуде действовал кодекс Хейса, согласно правилам которого убийцу нельзя было представить с положительной стороны и оставить без наказания. Именно поэтому развязка имела совсем другой эффект.

В конце концов режиссер решает наказать хоть кого-нибудь, и выбирает самого, по его мнению, отрицательного персонажа, хотя в книге не было осуждения ни к одному герою. Даже холодная Ребекка предстает в конце романа просто женщиной со своими страхами, которые имеют место быть. Книжная история играет оттенками чувств, а фильм же, как я и сказала, делит все и всех на черное и белое.

Хичкок, как мастер своего дела, несомненно создал мрачную атмосферу, один темный, действительно пугающий замок чего стоит. Но, по моему мнению, проникнуть в глубину произведения создателям фильма не удалось, они окинули эту историю слишком поверхностным взглядом. Насколько я знаю, это был первый фильм Хичкока в Америке, и, возможно, коммерция взяла верх над идеей.

Так или иначе, «Ребекка» стала единственной картиной Альфреда Хичкока, которая выиграла премию «Оскар» в номинации «Лучший фильм года». А значит, по каким-то причинам ее все-таки оценили высоко.

Следующая экранизация этого романа появится через много лет, уже на излете 90-х, а именно в 1997 году. Как покажет практика, в дальнейшем режиссеры почему-то не могут рассчитать хронометраж для такого сравнительно небольшого произведения, и будут позволять себе разгуливаться на утомительные три часа в формате мини-сериалов. Я считаю, что это показатель лени и отчасти непрофессионализма в данном случае. Повторяюсь, формат книги не так огромен, чтобы его нельзя было грамотно скомпоновать хотя бы в два часа фильма. Потому что три часа – это уже настоящее убийство зрительского внимания. Это касается этого сериала и последующего, про которого будет сказано ниже. Но пока все же вернемся к этому: его создал английский режиссер Джим О’Брайэн («Приключения молодого Индианы Джонса»). И у него оказался очень странный взгляд на каст для данной истории. Актеры просто не накладываются на книжные образы, хотя на удивление, например, главная героиня, которую играет Эмилия Фокс («Пианист») внешне очень даже соответствует описанию, как минимум у нее прямые волосы, на чем в тексте делается акцент, хотя этот момент больше ни у кого не был соблюден. Но характер у нее очень плоский, прям утрированно плоский, мне даже показалось, что дело в актрисе, все эмоции она передавала абсолютно одинаково, попахивало либо бездарностью, либо неопытностью. Часто ее наивность и невинность выглядели слишком сделанными. Чарльз Дэнс («Холодный дом», «Игра престолов») на роли Максима Де Уинтера еще больше не вписался, вот бывает, что человек просто не подходит, персонаж и этот человек не складываются в одно, вот это тот случай. 

На самом деле сериал проиграл в мелочах. Если смотреть очень поверхностно, то мы увидим очень даже подробное следование тексту, я бы даже сказала, один из самых полных вариантов из всех в плане сюжета. Но мелкие добавления портили всю картину, так как не были мотивированны: это и откуда-то взявшиеся радужные свидания, это и вспышки гнева на людях, которые просто не могли случиться, это изменение характера Дэнверс, здесь она становится слезливой и жалкой, это очередное изменение развязки и изменение финала. Перечислять все нет смысла, главное, что за три часа это все скапливается в шар недоумения и вопроса: зачем?

У этой киноленты конечно есть и приятные моменты, например, прекрасное сочетание музыки и пейзажа, или тот факт, что Ребекка здесь показывается хотя бы кусочками, создаётся интригующий образ, у нее появляется голос, мы можем увидеть ее взгляд. Конечно, некоторым это не нравится, они считают, что Ребекки не должно быть вовсе в кадре, но я придерживаюсь мнения, что тогда получается слишком зыбкий образ, как у Хичкока.

В общем и целом, это неплохая картина, но за душу не берет: нет ни актеров, на которых хочется долго смотреть, хронометраж затянутый, много необоснованных изменений. Возможно, этот фильм подойдет для ностальгирующего читателя, который решил освежить в памяти эту историю, или для просмотра по телевизору, когда ты параллельно делаешь еще какие-то дела. Но чтобы сесть и просидеть три часа, полным наслаждения – нет, это не тот случай.

Наверное, самое приятное впечатление я получила от мини-сериала 2008 года производства Италии. На самом деле я посмотрела его первым, и только когда посмотрела предыдущие два поняла, что режиссер Риккардо Милани такой маленький воришка, который потырил из предыдущих двух версий интересные изменения и трансформировал их в своей отличающейся от всех картины.

Все здесь сделано по-итальянски: любовь здесь красива, романтика в каждом моменте, страсти жгучие, драма накаляется до предела. Готичность уходит, на ее место приходят красота, чувственность. И все это вдруг отлично сдруживается с сюжетом. Режиссер обработал историю, сделал ее пригодной для своего зрителя, но ни капельки не испортил ее. Мне кажется, для нашего русского чувственного человека эта интерпретация даже больше подходит. И как раз в данном случае у режиссера все изменения как минимум мотивированы тем, что он очевидно адаптирует историю под особенности своих соотечественников.
Актеры мне пришлись по душе, на них приятно смотреть, они отлично играют свои роли. От прекрасной Кристианы Капотонди («Леонардо да Винчи – миланский гений») я просто глаз оторвать не могла, и я снова и снова прощала сценаристские изменения в ее образе: появление имени, более смелый и решительный характер. Просто эта актриса все преподносила так естественно, что я могла себя убедить: так могла поступить и героиня Дюморье.

Вообще мне кажется, характеры героев изменялись будто под влиянием читательского опыта самих создателей: они читали и им хотелось, чтобы герой поступил так, и когда у них в руках есть возможность изменить эти мелочи, они смело делают это. Это сотворчество, переосмысление в каком-то роде. Но это можно сказать и о прошлых работах, однако только здесь все выглядит органично: актеры здесь находят нужный баланс, они и не плоские, и не переигрывают.

Это несомненно очень качественно сделанный фильм: проработаны интерьеры, учтена мода, видна работа со светом, правильно подобрана музыкальная тема. Все в этом фильме внешне ладно и складно, его приятно смотреть. Все здесь от начала и до конца создает нужное настроение.

Завершающим плюсом является то, что именно этот режиссер собрал образ Ребекки воедино. Здесь она во всей красе, при этом оказалось достаточно загадочного портрета со спины и монохромных флешбеков, где мы видим изящный профиль и сами осознаем всю силу этой женщины. Ребекка здесь стала действительно загадочной фигурой, она присутствовала везде, вместе с главной героиней мы с опаской посматривали на дверь ее спальни.

К сожалению, всегда тяжело удержаться от полной свободы. В конце концов создатели ушли от книги так далеко в своих творческих порывах, что финал оказался провальным. Это большое разочарование для фильма, который держался довольно долго на высоте. Конец истории создатели беспощадно скомкали, сделали его непонятной, честно сказать, в финале шла глупая отсебятина.

Но в целом, оценивая уже спустя какое-то время после просмотра эту картину, я скажу, что это, да простят меня те, кто считают Хичкока гением и большим профессионалом, лучшая экранизация этого романа. По моим впечатлениям, я готова пересматривать этот фильм не один раз, а это не всегда случается и при просмотре не экранизаций, а обычных фильмов.

Плавно перехожу к итогам. В конечном счете ни один из представленных фильмов не может называться классической экранизацией. Каждый из режиссеров добавлял обязательно что-то свое. Сюжет этой истории оказался таким заманчивым, что у киносоздателей просто руки чесались приложить к нему еще капельку своей индивидуальности, чтобы сделать его своим. Поэтому выбор здесь зависит от вкусов. И нюансов. Я попыталась перечислить и плюсы, и минусы каждого, и неожиданно и для меня самой итальянский фильм оказался с большим преимуществом. Конечно, я не настаиваю, классический фильм Хичкока несомненно был первым и лег в основу последующих картин. И кому-то его интерпретация покажется более удачной. Фильм 1997 года я бы вовсе исключила из списка претендентов на просмотр и не советовала бы никому. А тем, кто, как и я, любит романтику, как и я, страстная в хорошем смысле слова натура, советую обязательно посмотреть итальянскую версию. Всегда приятно видеть, когда режиссер обрабатывает историю, пропускает ее через себя.

Но прежде всего, конечно, нужно прочесть оригинал, без эмоций, которые испытываешь при именно прочтении этой книги, нельзя в полной мере оценить ни одну из предложенных экранизаций.